L'aube du cinéma commercial

L'aube du cinéma commercial

Le 28 décembre 1895, les frères Lumière, pionniers du cinéma moderne, diffusent pour la première fois de l'histoire des films devant un public payant. En conséquence, cette date a toujours été associée à l'aube de l'ère cinématographique et à l'immense changement que cette technologie a apporté dans nos vies.

Ces Français, August et Louis, n'ont pas inventé le film en mouvement mais l'ont porté à un niveau où il pourrait être utilisé pour la première fois comme un moyen de divertissement populaire.

Pendant des générations, Drake's Island, située juste à l'extérieur du port de Plymouth, appartenait au ministère de la Défense. Récemment, cependant, ce bastion insulaire est devenu une propriété privée. Dans ce documentaire, Bob King, le gardien de l'île de Drake, offre à Dan une visite exclusive de ce morceau de terre extrêmement militarisé.

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Le cinéma trouve ses marques

Le prolifique inventeur américain Thomas Edison avait déjà développé un "Kinetoscope" pour visualiser des images animées, mais le problème avec ce dispositif de "peep-show" était qu'il ne pouvait être consulté que par une personne à la fois.

Thomas Edison en 1922.

Les Lumière étaient dans le secteur de la photographie en plein essor depuis le début des années 1880, mais lorsqu'ils en ont hérité à la retraite de leur père, ils ont décidé de l'engager dans une nouvelle direction ambitieuse.

Dans leur petite usine à Lyon, ils ont développé de nombreuses technologies essentielles pour un appareil photo argentique fonctionnel, notamment les perforations du film, les trous soigneusement percés sur le côté du film physique noir. En 1892, un écrivain français appelé Léon Bouly est tombé sur l'idée et les plans préliminaires de ce qu'il a appelé un « Cinématographe ».

La principale différence entre cette machine et la machine d'Edison était qu'elle contenait également un projecteur, permettant à de nombreuses personnes de visionner un film en mouvement à la fois. Mais à court d'argent et d'un réel savoir-faire technique, Bouly a vendu ses droits sur le nom et le design aux Lumières, qui ont alors entrepris de faire de son rêve une réalité.

D'Oliver Cromwell à Robin Cook, d'Ellen Wilkins à Margaret Thatcher, d'Edmund Burke à Winston Churchill. Dan Snow revient sur certains des plus grands discours jamais prononcés à Westminster.

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Vision des Lumières

En février 1893, les frères ont breveté avec succès leur propre version considérablement améliorée du cinématographe et ont réussi à prendre leur premier film en mouvement, Sortie de l'usine Lumière de Lyon, montrait des ouvriers quittant leur usine, dans les deux ans.

Après une projection publique réussie du film dans la première salle au monde du sud de la France, ils se sont rendu compte qu'il y avait d'énormes bénéfices à faire en se tournant vers des projections payantes.

Après une campagne publicitaire réussie, la première projection commerciale au monde a eu lieu au Grand Café Boulevard des Capucines à Paris, où les Lumières ont présenté leurs dix premiers films à un public admiratif.

Chaque film mesurait environ 17 mètres de long, durait moins d'une minute et devait être manivelle à l'aide d'un projecteur, mais leur réception fut un ravissement étonné. Lors de la grande exposition de Paris de 1900, le cinématographe était l'une des principales attractions, et les frères ont emporté leur invention dans le monde entier, attirant des foules fascinées.

Carte postale de l'Exposition de Paris (ou L'Exposition Universelle), 1900. (Crédit : Paris-16).

L'ère du cinéma avait commencé et, en 1906, des longs métrages d'une heure étaient possibles alors que le potentiel de la technologie prenait vie.


Bâtiments commerciaux de l'avenue Monroe

Les Bâtiments commerciaux de l'avenue Monroe, également connu sous le nom de Bloc Monroe, est un quartier historique situé le long d'un bloc et demi au 16-118 Monroe Avenue à Detroit, Michigan, juste à côté de Woodward Avenue à l'extrémité nord du Campus Martius. Le district a été désigné site historique d'État du Michigan en 1974 [2] et inscrit au registre national des lieux historiques en 1975. [1] Les treize bâtiments d'origine ont été construits entre 1852 et 1911 et avaient une hauteur de deux à cinq étages. [2] Le Théâtre national, construit en 1911, est le plus ancien théâtre survivant à Detroit, une partie du quartier des théâtres d'origine de la ville à la fin du XIXe siècle et la seule structure survivante de la période historique des bâtiments commerciaux de l'avenue Monroe. [3] [4]


1. Kubrick a essayé de souscrire une assurance extraterrestre

Juste avant la NASA’s Marin 4 vaisseau spatial a dépassé Mars en juillet 1965, un Kubrick inquiet a tenté de souscrire une police d'assurance avec Lloyd&# x2019s de Londres&# x2014au cas où la découverte de la vie extraterrestre ruinerait l'intrigue sur laquelle il travaillait alors avec l'écrivain de science-fiction Arthur C. Clarke. « Comment les assureurs ont réussi à calculer la prime, je ne peux pas imaginer », a écrit Clarke avec étonnement, « mais le chiffre qu'ils ont cité était légèrement astronomique et le projet a été abandonné. Stanley a décidé de tenter sa chance avec l'univers. MarinLes images des années 2019 montraient une surface dure, cratérisée, semblable à la lune, qui a immédiatement réduit l'espoir qu'une vie intelligente ou en fait, n'importe quelle vie pourrait exister sur cette planète.

Arthur Clarke, auteur de � : A Space Odyssey.’ (Crédit : Sipa/AP Photo)


L'aube du cinéma commercial - Histoire

"c'était la première tentative de formation d'une camera obscura, un instrument qui a conféré des avantages si incalculables à l'humanité".

Ce texte examinera toute cette histoire, de l'image au sténopé à l'écran. Notre objectif est de fournir la vue la plus complète, la plus exhaustive et la plus complète de chaque composant qui constitue le support du film et de lui donner vie et subsistance dans le processus.

Présenté chronologiquement, L'HISTOIRE DE LA DÉCOUVERTE DE LA CINÉMATOGRAPHIE englobe une recréation historique et factuelle qui lui est propre, combinant toutes les propriétés de la cinématographie et les personnes responsables de leur découverte ou invention, et reliant ces pièces ensemble dans une histoire en constante évolution. La vision réelle qu'avaient nombre de ces personnalités au cours de leur implication dans ce processus fascinant de créativité, de production et d'amélioration est stupéfiante.

Ils donnent leur premier film privé en mars 1895, et en décembre ils commencent les projections publiques au Grand Café à Paris. Ceux-ci ont été presque immédiatement populaires et, en 1896, les Lumière ont transformé une salle du café en la première salle de cinéma au monde. Le Cinématographe se répandit rapidement à travers l'Europe, et en 1896 il fut importé aux États-Unis.


Cinéma indien

L'Inde possède l'une des industries cinématographiques les plus anciennes et les plus importantes au monde. C'est au début de 1913 qu'un film indien reçoit une projection publique. Le film était Raja Harischandra. On se souvient désormais de son réalisateur, Dadasaheb Phalke, grâce à un prix d'excellence décerné par l'industrie cinématographique en son nom. À ce moment-là, il était vraiment difficile de trouver quelqu'un pour incarner le rôle des femmes. Dans les classes moyennes, cette association d'agir avec la perte de la vertu, de la pudeur féminine et de la respectabilité n'a été remise en question que récemment.

Alors qu'un certain nombre d'autres cinéastes, travaillant dans plusieurs langues indiennes, ont été les pionniers de la croissance et du développement du cinéma indien, le système des studios a commencé à émerger au début des années 1930. Son premier film le plus réussi est Devdas (1935), dont le réalisateur, P.C. Barua est également apparu dans le rôle principal. La Prabhat Film Company, créée par V. G. Damle, Shantaram, S. Fatehlal et deux autres hommes en 1929, a également obtenu son premier succès à cette époque. Sant Tukaram de Damle et Fatehlal (1936), réalisé en marathi, a été le premier film indien à obtenir une reconnaissance internationale.

Les films sociaux de V. Shantaram, plus que toute autre chose, ont ouvert la voie à tout un ensemble de réalisateurs qui ont pris sur eux d'interroger non seulement les institutions du mariage, de la dot et du veuvage, mais les graves inégalités créées par la caste et la classe. distinctions. Certains des problèmes sociaux ont reçu leur expression la plus univoque dans Achhut Kanya ("Untouchable Girl", 1936), un film réalisé par Himanshu Rai de Bombay Talkies. Le film dépeint les difficultés d'une fille Harijan, jouée par Devika Rani, et d'un garçon brahmane, joué par Ashok Kumar.

La prochaine phase notable du cinéma hindi est associée à des personnalités telles que Raj Kapoor, Bimal Roy et Guru Dutt. Fils de Prithviraj Kapoor, Raj Kapoor a créé certains des films les plus admirés et les plus mémorables du cinéma hindi.

Awaara (The Vagabond, 1951), Shri 420 (1955) et Jagte Raho (1957) ont été des succès commerciaux et critiques. Do Bigha Zamin de Bimal Roy, qui montre l'influence du néo-réalisme italien, a exploré la dure vie de la paysannerie rurale dans les conditions les plus dures. Entre-temps, le cinéma hindi avait vu naître son premier génie reconnu, Guru Dutt, dont les films critiquaient les conventions de la société et déploraient les conditions qui poussent les artistes à renoncer à leur inspiration. Du Devdas de Barua (1935) au Sahib de Guru Dutt, Bibi aur Gulam, le motif de « l'amour prédestiné » occupe une place importante : pour de nombreux opposants, une sentimentalité mièvre caractérise même le meilleur du cinéma hindi avant l'arrivée du nouveau cinéma indien ou alternatif. dans les années 1970.

C'est sans doute que sous l'influence de cinéastes bengalis comme Satyajit Ray, Ritwik Ghatak et Mrinal Sen, le cinéma indien, pas seulement en hindi, a également commencé à prendre une tournure quelque peu différente dans les années 1970 à contre-courant des cinéma, caractérisé par des routines de chants et de danses, des intrigues insignifiantes et des drames familiaux. Ghatak a ensuite occupé le poste de directeur de l'école de cinéma et de télévision de Pune, d'où la première génération d'une nouvelle génération de cinéastes et d'acteurs indiens - Naseeruddin Shah, Shabana Azmi, Smita Patil et Om Puri parmi ces derniers devait émerger.

Ces cinéastes, tels que Shyam Benegal, Ketan Mehta, Govind Nihalani et Saeed Mirza, faisaient preuve d'une sensibilité esthétique et politique différente et étaient enclins à explorer les contradictions de caste et de classe de la société indienne, la nature de l'oppression subie par les femmes, la les bouleversements créés par l'industrialisation et la migration des zones rurales vers les zones urbaines, le problème du sans terre, l'impuissance des procédures démocratiques et constitutionnelles ordinaires de réparation, etc.

Le cinéma hindi bien-aimé se caractérise par des changements importants trop nombreux pour recevoir plus que la moindre mention. La routine du chant et de la danse est désormais plus systématisée, plus régulière dans ses schémas, l'« autre », qu'il s'agisse du terroriste ou du méchant inaltérable, a une présence plus sombre, l'État-nation est plus obsédé par ses exigences envers nos loyautés et révérence la diaspora indienne est une plus grande présence dans l'imaginaire indien et ainsi de suite. Ce ne sont là que quelques considérations : toute personne souhaitant découvrir le monde du cinéma indien devrait également se réinterroger sur sa présence dans les espaces indiens, sa relation avec les formes d'art vernaculaires et l'art de masse.

L'industrie cinématographique indienne, connue sous le nom de Bollywood, est la plus importante au monde et possède de grands studios de cinéma à Mumbai (Bombay), Calcutta, Chennai, Bangalore et Hyderabad. Ensemble, ils tournent plus de 1000 films par an devant un public extrêmement apprécié du monde entier. Pendant près de 50 ans, le cinéma indien a été la forme centrale de divertissement en Inde, et avec sa visibilité et son succès accrus à l'étranger, il ne faudra pas longtemps pour que l'industrie cinématographique indienne soit bien pensée pour être son homologue occidentale. Hollywood. Les sorties commerciales grand public, cependant, continuent de dominer le marché, et pas seulement en Inde, mais partout où le cinéma indien a un large public, que ce soit dans une grande partie des Caraïbes britanniques, à Fidji, en Afrique de l'Est et du Sud, au Royaume-Uni, aux États-Unis, au Canada, ou au Moyen-Orient.

L'Inde est bien connue pour son cinéma commercial, mieux connu sous le nom de Bollywood. En plus du cinéma commercial, il existe également le cinéma d'art indien, connu des critiques de cinéma sous le nom de « nouveau cinéma indien » ou parfois « la nouvelle vague indienne » (voir l'Encyclopédie du cinéma indien). Beaucoup de gens en Inde appellent clairement ces films comme des "films d'art" par opposition au cinéma commercial grand public. Des années 1960 aux années 1980, le film d'art ou le cinéma parallèle était généralement un cinéma subventionné par le gouvernement.

Le cinéma commercial est la forme de cinéma la plus populaire en Inde. Depuis sa création, les films commerciaux indiens ont connu un énorme succès. Le cinéma commercial ou populaire est réalisé non seulement en hindi, mais aussi dans de nombreuses autres langues régionales de l'Est et du Sud de l'Inde. Regardons quelques-unes des conventions générales des films commerciaux en Inde. Les films commerciaux, quelle que soit la langue dans laquelle ils sont réalisés, ont tendance à être assez longs (environ trois heures), avec un intervalle. Une autre caractéristique importante du cinéma commercial en Inde est la musique.

L'Inde abrite l'une des plus grandes industries cinématographiques au monde. Chaque année, des milliers de films sont produits en Inde. L'industrie cinématographique indienne comprend des films hindis, des films régionaux et un cinéma d'art. L'industrie cinématographique indienne est principalement soutenue par un vaste public indien cinéphile, bien que les films indiens gagnent en popularité dans le reste du monde, en particulier dans les pays comptant un grand nombre d'Indiens émigrants.


Nécrologie de Georges Lautner

Depuis l'aube du cinéma, la France a produit simultanément et sans interruption de bons films grand public et des films d'art et d'essai. Georges Lautner, décédé à l'âge de 87 ans, a affirmé sans vergogne que les près de 50 films qu'il a réalisés de 1958 à 1992 appartiennent à la première catégorie. Les films principalement de flics et de voleurs de Lautner étaient parmi les films les plus populaires jamais réalisés en France.

"Je ne voulais pas la gloire ou faire des chefs-d'œuvre mais des films populaires qui plairaient au plus grand nombre", a-t-il un jour expliqué. "La reconnaissance internationale ne m'intéressait pas. J'étais passionné par ce que je faisais avec ma fidèle équipe. On faisait les films qu'on voulait le plus vite possible. Mais avec le temps, mes films commerciaux paraissent presque intellectuels."

Les films sous-estimés de Lautner n'ont jamais été invités à Cannes jusqu'à ce qu'en 2012, le festival concocte un "Hommage à Georges Lautner" tardif. Sa mort a incité le président François Hollande à déclarer que ses films étaient « devenus une partie du patrimoine cinématographique de notre pays ». Certains d'entre eux ont également accumulé l'épithète « culte », en particulier Les Tontons Flingueurs (1963), rendus diversement en anglais comme Monsieur Gangster ou Crooks in Clover (littéralement The Killer Uncles). A peine quelques semaines avant la mort de Lautner, une rue de Nantes s'appelait Rue des Tontons Flingueurs, en raison d'une mention d'un personnage nommé Lulu la Nantaise, évoqué par Bernard Blier dans une scène hilarante dans laquelle un groupe de gangsters se fait blotto autour d'une cuisine. table.

Les scène de la cuisine est parmi les plus célébrés en France, dont les dialogues de nombreux cinéphiles connaissent par cœur, ainsi que d'autres vers écrits par Michel Audiard, un maître de l'argot français plein d'esprit et mordant. Une ligne dans le film, "Les contre ça ose tout. C'est même à ça qu'on les reconnaît» (« Les idiots osent tout. C'est comme ça qu'on les reconnaît »), prononcé par Lino Ventura, fait désormais partie du lexique français, à peu près de la même manière que le public britannique apprécie toujours « Infamy ! Infamie! Ils m'en veulent tous !" de Carry on Cleo.

Hormis un thriller justement oublié, Presumed Dangerous (1990), avec Robert Mitchum dans un second rôle, le seul film en anglais de Lautner était l'étrange Road to Salina (1970) avec Mimsy Farmer, Robert Walker Jr et Rita Hayworth, tourné principalement en les îles Canaries. Quentin Tarantino a utilisé une chanson du film dans Kill Bill Volume 2.

Lautner est né à Nice, le fils d'un bijoutier et aviateur viennois, et de Marie Louise Vittore qui, comme Renée Saint-Cyr, était une star de cinéma, apparaissant plus tard dans 11 des films de son fils. À l'âge de sept ans, Lautner se rend à Paris lorsque sa mère commence sa carrière cinématographique, et découvre le cinéma. Après avoir quitté l'école, il a commencé à faire des petits boulots dans les studios. Un apprentissage d'assistant réalisateur conduit à ses premiers films en tant que réalisateur.

Après trois drames tièdes, Lautner trouve son point fort avec Le Monocle Noir (Le Monocle noir, 1961), librement adapté des mémoires du colonel Rémy, un agent secret pendant la seconde guerre mondiale. Lautner en a fait une comédie-thriller mettant en vedette Paul Meurisse dans le rôle d'un espion connu sous le nom de « le Monocle », parce qu'il a couvert son seul œil aveugle avec un monocle noir. La performance délicieusement excentrique et ironique de Meurisse a été reprise dans des suites tout aussi réussies : L'Oeil du Monocle (L' Eyeil du Monocle, 1962) et Le Monocle Rit Jaune (Le Monocle, 1964).

Bien que Lautner ait continué à faire des comédies parodiques à succès au cours des années 1960, telles que Les Tontons Flingueurs et Les Barbouzes (The Great Spy Chase, 1964), il s'est parfois égaré dans le drame. En fait, son film préféré était Le Septième Juré (Le Septième Juré, 1962) sur un homme marié (Blier) qui tue une fille en repoussant ses avances. Lorsque son petit ami peu recommandable est accusé du crime, il se retrouve dans le jury. Lautner gère les rebondissements de l'intrigue et la fin ironique avec aplomb.

Le mélodrame meurtrier Galia (1966) a connu une sortie assez rentable au Royaume-Uni et aux États-Unis, principalement en raison de la présence dévêtue de l'ex-mannequin Mireille Darc, qui a joué dans une douzaine de films de Lautner. En fait, le réalisateur a essayé de garder la même équipe de film en film : les acteurs Darc, Ventura, Blier, Francis Blanche et Jean Lefebvre l'écrivain Audiard et le directeur de la photographie Maurice Fellous.

"Ce qui l'intéresse, c'est d'avoir de bons acteurs et un bon écrivain", remarque Fellous. "Il disait : 'Si tu me fais un beau film, tu vas prendre une heure. C'est de l'argent que je n'aurai pas pour un meilleur acteur pour le deuxième ou le troisième rôle.' Mais il ajouterait : 'Dans chacun de mes films, vous aurez une séquence avec laquelle vous amuser.'"

Il y avait beaucoup de séquences avec lesquelles le directeur de la photographie pouvait s'amuser dans des drames policiers animés tels que Le Pacha (Pacha, 1968), dans lequel Jean Gabin apporte sa présence dominante en tant qu'inspecteur de police fatigué du monde Il Était une Fois un Flic (Flic Story, 1971) et Flic ou Voyou (Flic ou Hood, 1979), ce dernier étant le premier des cinq films de Lautner avec Jean-Paul Belmondo.

L'un d'eux, Le Professionnel (The Professional, 1981) – le plus gros succès au box-office de Lautner des années 80 – était un film d'action divertissant avec un énergique Belmondo comme agent secret. Le dernier long métrage de Lautner était L'Inconnu dans la Maison (Étranger dans la maison, 1992) dans lequel un Belmondo subjugué joue un avocat ivre vieillissant enquêtant sur un meurtre.

L'épouse de Lautner, Caroline, qu'il a rencontrée en 1949, est décédée il y a près de 20 ans. Il laisse dans le deuil sa fille Alice et son fils Thomas.

Georges Lautner, réalisateur, né le 24 janvier 1926 décédé le 22 novembre 2013


Succès du 21 siècle

Avec les progrès de la technologie, les studios sont devenus plus à l'aise avec la technologie 3D. Disney a sorti en 2005 son long métrage d'animation "Chicken Little in 3-D" dans près de 100 cinémas aux États-Unis. L'année 2006 a vu la sortie de "Superman Returns: An IMAX 3-D Experience", qui comprenait 20 minutes de séquences 2-D qui avaient été "upconverties" en 3-D, un processus qui a permis aux cinéastes et aux studios de créer 3-D. Films D utilisant des films tournés en 2D. L'un des premiers films à subir ce processus de conversion a été "The Nightmare Before Christmas" de 1993, qui a été réédité en version 3D en octobre 2006.

Au cours des trois années suivantes, les studios ont sorti un flux constant de films en 3D, en particulier des films d'animation par ordinateur. Mais le film qui a changé la donne était "Avatar" de James Cameron, une épopée de science-fiction de 2009 qui utilisait ce que Cameron avait appris sur la réalisation de films en 3D lors de la réalisation de "Ghosts of the Abyss". "Avatar" est devenu le film le plus rentable de l'histoire du cinéma et le premier film à rapporter plus de 2 milliards de dollars dans le monde.

Avec le succès sans précédent d'"Avatar" au box-office et ses avancées techniques révolutionnaires, la 3D n'était plus considérée comme un gadget pour les films schlocky. Dans l'espoir d'obtenir le même succès, d'autres studios ont intensifié leur production de films en 3D, convertissant parfois des films déjà tournés en 2D en 3D (comme le "Clash of the Titans" de 2010). En 2011, les multiplexes du monde entier avaient converti tout ou partie de leurs auditoriums en théâtres 3D. La majorité des théâtres ont utilisé des méthodes de projection développées par la société d'effets visuels RealD pour ce faire.


Représentation LatinX

Il y a même certaines catégories d'Oscars que les LatinX n'ont pas encore remplies près de 100 ans après la création des Oscars. Ce n'est qu'au milieu du 20e siècle que les artistes cinématographiques de LatinX retiendront l'attention ou auront l'occasion de se prélasser sous les projecteurs cinématographiques et, malheureusement, persisteront à être largement ignorés jusqu'à très récemment.

Au cours de l'une des périodes les plus racistes de l'histoire américaine, l'acteur Anthony Quinn est devenu le premier latino-américain à être nominé pour un Oscar après en avoir remporté un en 1952 pour Vive Zapata ! dans la catégorie Meilleur acteur dans un second rôle. Dans ce même film, l'acteur blanc Marlon Brando a joué le célèbre révolutionnaire mexicain Emiliano Zapata . Avec tout son talent, Quinn est également devenu le premier acteur de LatinX à remporter un Oscar après avoir remporté une autre nomination dans la même catégorie en 1956 pour la biographie de Vincent Van Gogh. Désir de vie . Un acteur d'origine mexicaine n'a été nominé dans la même catégorie que 56 ans plus tard avec la nomination de Demian Bichir pour Une vie meilleure en 2012.

Pour une raison étrange, le milieu des années cinquante était une période reconnaissable pour les acteurs de LatinX, car l'actrice latino-américaine Katy Jurado a été nominée pour la meilleure actrice dans un second rôle en 1954 pour Lance brisée . Bien qu'ils commencent à l'être peu de temps après, il n'y avait pratiquement aucun interprète LatinX reconnu commercialement ou critiquement jusqu'à ce moment-là. Le grand écart entre les nominations aux prix du meilleur acteur a également suivi pour ceux de la meilleure actrice, malheureusement .

Un acteur latino n'a été nommé à nouveau qu'en 2006 avec la performance d'Adriana Barraza dans Alejandro G. Inarritu, qui allait être un pionnier révolutionnaire pour le cinéma latino-américain, film Babel , qui mettait également en vedette Brad Pitt et Cate Blanchett . Les acteurs latinos ont attendu jusqu'en 2002 pour atteindre la catégorie Meilleure actrice principale lorsque Salma Hayek a été nominée pour son interprétation de Frida Kahlo dans Frida . Elle n'a malheureusement pas gagné. Dans l'histoire des Oscars, seuls huit acteurs de LatinX ont été nominés pour les meilleurs rôles principaux et secondaires. Heureusement, de nombreux artistes de LatinX ont acquis une renommée internationale bien méritée, mais Hollywood a continué à les ignorer pendant un siècle entier.

La fin du 20e siècle a inauguré une nouvelle vague de talents LatinX, avec des stars comme Antonio Banderas et Salma Hayek, qui ont réussi à pénétrer les stéréotypes hollywoodiens et à créer des personnages et des histoires en profondeur dans une perspective LatinX qui a ébloui le public américain, en opposition à un mépris général pour le talent LatinX, ou des acteurs latins utilisés comme dispositifs pour une plus grande partie de l'histoire d'un homme ou d'une femme cis-blanc. Maintenant que LatinX à l'écran commençait à changer, une bataille difficile se préparait avec les artistes LatinX hors écran qui ne sortiraient de sa bulle qu'il y a à peine quatorze ans.


Les frères Lumière s'éloignent du cinéma

Auguste et Louis continuent à travailler sur les développements techniques et imaginent en 1900 une caméra qui prend des films 75 mm grand format. En 1905, cependant, les frères Lumière se retirent du cinéma. Ils ont plutôt travaillé à inventer le premier procédé photographique réussi en couleur, l'autochrome Lumière, en 1907. Louis a également travaillé sur un procédé de cinématographie stéréoscopique.

Les deux frères ont vécu assez longtemps pour être fêtés de leur vivant comme les pionniers du cinéma. Comme Louis l'a déclaré :

…, le 28 décembre 1895, est vraiment née l'expression : « J'ai été au cinéma. »


10. Aube des morts presque présenté une fin plus sombre.

Pendant la production sur Aube des morts, a dit George Romero Pierre roulante l'écrivain Chet Flippo que le film avait, selon les mots de Flippo "pas de début et deux fins". Romero a expliqué que c'était parce qu'il travaillait "d'instant en instant" sur le film. Il a finalement compris le début du film, bien sûr, et est allé avec une fin dans laquelle Peter et Francine se frayent un chemin hors du centre commercial et sur le toit, où ils s'échappent dans l'hélicoptère. Alors, quelle était l'autre fin?

Sur la piste de commentaires du film, George et Chris Romero et Tom Savini discutent tous d'un concept beaucoup plus sombre pour clore le film, dans lequel Peter se serait tiré une balle (ce qu'il envisage de faire dans le montage final) tandis que Francine aurait sauté dans les lames tournantes. de l'hélicoptère, reflétant l'une des morts de zombies les plus célèbres plus tôt dans le film. Cette fin aurait suivi les traces de Nuit des morts-vivantsest une fin sombre, mais Romero a finalement opté pour quelque chose de plus léger.

Pourtant, le plan initial n'a pas été vain : Savini avait déjà fait un casting de la tête de l'actrice Gaylen Ross à utiliser pour la scène de la mort de Francine, alors il l'a réutilisé - avec l'aide d'un maquillage et d'une perruque - pour la célèbre tête qui explose. tourné pendant le raid du projet de logement.

Sources supplémentaires :
La valeur de choc de Jason Zinoman (The Penguin Press, 2011)
Aube des morts Commentaire du DVD (Anchor Bay, 2004)


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