Imitation Aurei Géorgienne (Illustration)

L'histoire de la duchesse qui a scandalisé la société géorgienne

Avant Daphne Bridgerton, il y avait Elizabeth Chudleigh. Alors que le succès de Netflix commence le tournage de sa deuxième saison, le livre de Catherine Ostler sur la beauté de la société et la bigame qui ont captivé la société géorgienne constitue une excellente lecture de fond.

À la fin de l'été 1777, quiconque se tenait sur les rives du golfe de Finlande aurait pu admirer un spectacle des plus envoûtants : une merveille maritime à trois mâts de bois poli et de peinture dorée, ses voiles gonflées par le vent du nord. Sur le pont du yacht, ils auraient pu apercevoir la silhouette solitaire d'une femme, les yeux fixés sur le cours de la Neva coulant vers Saint-Pétersbourg. S'ils avaient pu voir à l'intérieur, ils auraient trouvé un contenu aussi exotique que l'histoire du navire : une ménagerie d'animaux, dont des petits singes un orchestre deux ecclésiastiques (un catholique pour l'équipage français et un anglican qui faisait office de publiciste) une salle d'apparat , une cuisine, une salle de bain et des radiateurs décoratifs, ainsi qu'une sélection inestimable d'argenterie et d'art dans une galerie de photos. Les yeux globuleux auraient pu saisir le nom du navire sur le côté : le Duchesse de Kingston.

Car c'était le nom que portait la femme sur le pont – mais c'était aussi le titre qui venait de lui être refusé par l'ensemble de la Chambre des Lords et les juges britanniques les plus anciens, dans un procès pour bigamie auquel assistait la reine Charlotte, deux futurs monarques, James Boswell et Georgiana, duchesse de Devonshire, aux côtés des lettrés de Londres et du reste de la tonne. Tout comme la guerre d'indépendance américaine aurait pu tourner en faveur de la Grande-Bretagne, les Britanniques étaient tous distraits, saisis par cette figure scandaleuse, dépositaire de nombreux secrets.

La duchesse, comme elle s'appelait encore, avait quitté Londres avec l'argent de son défunt mari et était partie se lier d'amitié avec Catherine la Grande, alors le monarque le plus illustre de la terre. Alors qu'elle naviguait vers Saint-Pétersbourg, la rivière a cédé la place à des remblais de stuc peint et de palais de marbre et de granit. La nouvelle capitale de la Russie était un lieu d'une nouveauté et d'une grandeur éblouissantes, construite par Pierre le Grand au début du siècle. Le Palais Impérial d'Hiver se démarquait dans ce panorama de stuc, à son échelle brobdingnagienne. « Il a l'air d'avoir été transporté à l'endroit actuel, comme le palais des contes arabes », a observé un visiteur anglais.

C'est l'une des bizarreries particulières de l'histoire qu'en raison de la vie romantique erratique de cette femme et du désir de l'establishment britannique de la punir pour cela, certains des trésors de sa famille par mariage et des pièces qu'elle a commandées ne se trouvent pas dans une galerie de Londres. ou une maison seigneuriale dans les comtés mais loin dans ce même palais d'hiver, maintenant le musée de l'Ermitage. Ils cachent l'extraordinaire histoire du voyage qui les a menés là-bas : celle que j'ai découverte en écrivant mon livre, La duchesse comtesse : la femme qui a scandalisé une nation.

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Elizabeth Chudleigh, ou la duchesse-comtesse - un surnom que lui a donné l'omniprésent potin du XVIIIe siècle Horace Walpole - m'a pris par surprise dans la biographie magistrale de Simon Sebag Montefiore Catherine la Grande et Potemkine. Il a décrit sa flamboyance à la cour impériale, sa capacité à choquer et à entrer – même là, une carrière de « séduction, mariage, tromperie, exhibitionnisme et vol ». En d'autres termes, elle était le meilleur type d'anti-héroïne britannique. Dans la fiction, une Becky Sharp ou une Moll Flanders – du genre que l'on ne peut s'empêcher de rechercher, même si son comportement est discutable, qui déjoue les attentes et se défend avec chaque fibre de son corset. Pour moi, Elizabeth est devenue non seulement un objet complexe de sympathie et de fascination, mais aussi un code à partir duquel visualiser la femme et la société géorgiennes, sa presse, sa poésie, le bruissement de ses jupes et le pouvoir de ses stylos cruels, bien avant Bridgerton Lady Whistledown a mis de telles choses dans notre conscience collective. Elizabeth Chudleigh a fait constamment l'objet de commérages, de ses jours comme la plus fascinante des demoiselles d'honneur (les It girls de leur époque), en passant par ses diverses escapades sur le marché du mariage, jusqu'à son éventuel procès en 1776 et l'exil qu'elle s'est imposé. entrepris par la suite.

Enfant, elle avait fait le tour du Royal Hospital de Chelsea, où son père était lieutenant-gouverneur, bien qu'il soit décédé alors qu'elle n'avait que cinq ans. Bientôt, cependant, elle était une créature de la cour géorgienne, devenant une demoiselle d'honneur en 1744 à Augusta, la jeune princesse de Galles de l'État de Saxe-Gotha-Altenbourg.

C'était le siècle des cours rivales – les conflits publics entre père et fils n'étant pas nouveaux dans la famille royale. Dans chaque génération hanovrienne, il y en avait une posée et sans charme, celle du roi, et une autre amusante et vive, celle du prince et de la princesse de Galles. George II avait une configuration monotone parce qu'il détestait la rivalité masculine et chassait les esprits et les penseurs, alors son fils Frederick, prince de Galles, les a reçus avec joie à Leicester House. Elizabeth, grâce à ses pouvoirs considérables de courtisan qui faisaient d'elle une sorte de Machiavel féminine, était à peu près la seule personne qui réussissait à rester en faveur des deux.

Le point principal d'être une demoiselle d'honneur était, bien sûr, de trouver un mari convenable. Sir Joshua Reynolds, qui a peint Elizabeth, a rappelé qu'elle était à peu près la plus belle fille qu'il ait jamais vue, et qu'elle avait un esprit fluide reconnu même par ses ennemis. Mais ce n'était toujours pas une tâche facile : non seulement elle n'avait pas de dot, mais elle n'avait pas de père, de frère ou le genre de mère qui pourrait conseiller ou négocier en son nom. Elle a failli se fiancer avec le jeune duc de Hamilton orphelin, mais sa famille l'a arraché à sa prise à la dernière minute.

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Séjournant chez un cousin à la campagne en 1744, elle rencontre un officier de marine aux courses de Winchester. Même s'il n'avait que 20 ans, Augustus Hervey était confiant et articulé, déjà un séducteur expérimenté, plein d'histoires de mer et de fanfaronnade. Le petit-fils du comte de Bristol, Hervey deviendra connu sous le nom de Casanova anglais et, après une romance rapide dans la chaleur d'août, lui et Elizabeth se sont mariés au milieu de la nuit dans une chapelle de campagne : un genre Vegas-with-Elvis-imitator d'exploit qu'ils commencèrent tous les deux à regretter presque immédiatement.

Ils ont accepté de prétendre que cela ne s'était jamais produit. Au fil des ans, le secret est devenu un déni mais, surtout, ils n'ont pas divorcé. Bientôt, ils en rencontrèrent d'autres dans le cas d'Elizabeth, il s'agissait d'un autre duc orphelin (elle avait certainement un type) - Evelyn Pierrepont, le 2e duc de Kingston, était largement convenu d'être «le plus bel homme d'Angleterre». Même Horace Walpole, jamais connu pour sa gentillesse, l'appelait "un homme d'une grande beauté et la plus belle personne". Beaucoup plus tard, en 1769, Elizabeth épousa Kingston et fut brièvement heureuse, mais lorsqu'il mourut en 1773 et lui laissa tout, sa famille voulait récupérer « son » argent et la poursuivit à travers le système judiciaire avec une vigueur qui la mena jusqu'à procès pour bigamie à Westminster Hall.

Evelyn Pierrepont, 2e duc de Kingston, peint dans les années 1740

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Elle a été mise à quai devant 4 000 spectateurs – à ce moment-là, elle est devenue l'une des trois femmes dont on parle le plus en Europe, avec Marie-Antoinette et Catherine la Grande elle-même. Les journaux ont couvert tous les aspects du procès, donnant à leurs lecteurs une place aux premières loges. La guerre en Amérique a fait la une des journaux. Les chatterati étaient hors d'eux d'excitation, les femmes se levant à 5 heures du matin pour le café et la coiffure à l'avance. Westminster Hall se tut alors qu'Elizabeth, «beau» en tenue de deuil, entra avec son entourage: deux élégants serviteurs en blanc, un aumônier, un médecin, un apothicaire et Black Rod, là pour l'empêcher de s'échapper. Au départ calme et digne, à la fin du procès, elle a été accusée de « faire jouer » les témoins, et elle s'est effondrée de détresse plus d'une fois. Des secrets, des demi-vérités et des complots ont émergé – il n'y a pas de place pour les détails ici – mais après le verdict, elle s'est regroupée et s'est lancée dans une grande tournée.

Le Palais d'été à l'extérieur de Saint-Pétersbourg où Catherine la Grande a reçu Elizabeth

Des années après avoir entendu son nom pour la première fois, je me tenais à l'intérieur du musée de l'Ermitage surchauffé alors que la neige tombait à l'extérieur sur la place du Palais. C'était le 7 décembre, jour de la Sainte-Catherine, où l'entrée est gratuite pour commémorer la fête de l'homonyme de son impératrice fondatrice. J'avais suivi les traces de la duchesse errante à travers l'Europe et je terminais le manuscrit de mon livre lorsque j'appris que certains de ses biens avaient été trouvés à Saint-Pétersbourg et étaient sur le point d'être exposés. À ce moment-là, je connaissais son histoire plus en détail qu'elle ne l'avait probablement jamais connue elle-même, ayant lu de vieux journaux intimes, des journaux et des lettres poussiéreuses tout en portant des gants blancs dans les archives, sur la piste obsessionnelle qui aiguise chaque biographe.

Le Palais d'été, Saint-Pétersbourg

J'ai erré dans la célèbre Neva Enfilade, où des bals pour des milliers de personnes étaient autrefois organisés tandis que les paysans mourraient de faim dehors, et j'arrivai enfin à l'aile de la pépinière Romanov, qui contenait ses possessions étonnantes. Il y avait un lustre de salle de bal, presque aussi grand que moi, qui jouait de la musique lorsque ses bougies étaient allumées, un refroidisseur à vin en argent assez grand pour baigner un bébé, dans lequel une soupe de poisson était autrefois servie lors d'un bal pour célébrer la victoire sur les Turcs et des peintures qui Elizabeth avait amené sur ce yacht.

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Gravure sur cuivre du procès de bigamie de la duchesse de Kingston, vers 1776

Les descendants de la famille de son deuxième mari, les Pierrepont, sont naturellement irrités que les biens qui ornaient autrefois leur siège familial soient maintenant perdus au profit des musées d'État de Russie. L'un d'eux m'a suggéré qu'Elizabeth avait emporté dans leur maison du Nottinghamshire la célèbre horloge du paon, l'exposition vedette de l'Ermitage, avec ses oiseaux automatisés et ses créatures des bois. Les experts du musée insistent maintenant sur le fait qu'Elizabeth a simplement présenté le mari et co-dirigeant de Catherine, le prince Potemkine, à son ami et confident, le concepteur de l'horloge, James Cox. ("Ils diraient qu'ils ne le feraient pas ?", a déclaré un Pierrepont cynique.) Quelques photos (une de Claude Lorrain qu'elle avait envoyée à l'avance à un amiral, le comte Ivan Chernyshev, pour faciliter l'introduction de la femme la plus scandaleuse d'Europe à son le plus puissant un autre de Pierre Mignard), des vases en argent, le refroidisseur à vin et un orgue qu'elle a apportés en Russie, étaient toujours là lorsqu'elle est décédée subitement. Rien n'a jamais quitté le pays, peu importe ce qu'elle a écrit dans son testament.

Les trésors de la duchesse à l'Ermitage ont survécu à deux guerres mondiales, au siège de Leningrad, à des décennies de communisme et à une période d'exil dans l'Oural gelé. Ils m'ont été ouverts sous les auspices du directeur du musée depuis près de 30 ans, le Dr Mikhail Piotrovsky, que j'ai rencontré dans son bureau surplombant la Neva - elle-même une pièce de musée, avec des tapisseries bleu-vert décolorées tapissant ses murs et des piles de livres assise sur acajou à patine profonde. C'était le bureau de son père une fois qu'il avait grandi dans le musée.

Une lettre écrite au nom d'Elizabeth&# x27s au duc de Portland juste avant le procès, dans la crainte d'une rumeur selon laquelle elle devait être envoyée à la Tour de Londres

Il est peut-être surprenant que les trésors de Saint-Pétersbourg soient les parties les mieux conservées de l'héritage de la duchesse. La plupart des bâtiments qui lui sont associés en Angleterre ont été démolis ou n'ont survécu qu'en tant qu'hôtels. Pourtant, tout comme je voulais lire tout ce qui était écrit par elle et sur elle, je voulais visiter partout où elle avait vécu. J'ai commencé, comme elle a commencé, à l'hôpital royal de Chelsea, où un gentil retraité à la blouse rouge et tricorne, David Lyall, m'a fait visiter l'hôpital immaculé de Wren, dans l'appartement lambrissé où elle a passé son enfance. J'imaginais bien Elizabeth jouant sur les pelouses qui descendaient ensuite jusqu'à la rivière, sans route le long de la berge. (La rivière elle-même était l'autoroute - vous pouviez prendre un bateau n'importe où.) Le nom de son père était peint en or sur le mur de la Grande Salle et, sous la mousse, gravé sur sa pierre tombale dans le cimetière.

7 soins de beauté géorgiens étranges et merveilleux

Au 21e siècle, la beauté est une affaire importante : des milliers de centimètres de colonnes sont consacrés quotidiennement à discuter des dernières tendances en matière de beauté, du simple à l'absurde. Mais, comme le révèle l'écrivaine historique Catherine Curzon, les régimes de beauté de l'ère géorgienne pourraient faire honte aux modes modernes les plus bizarres.

Ce concours est maintenant terminé

Publié : 28 avril 2016 à 9h04

De la peau blanche de porcelaine aux cheveux énormes, les Géorgiens se souciaient beaucoup de leur apparence. En effet, l'attrait d'un joli visage maquillé est devenu si fort à l'époque géorgienne, et était considéré comme si irrésistible, que le parlement a (apparemment) envisagé d'adopter une loi pour protéger les hommes des dupes des dames peintes avec des motifs sur leur sac à main :

« Une loi pour protéger les hommes d'être séduits dans le mariage par de fausses parures. Toutes les femmes, de quelque rang, âge, profession ou degré, qu'elles soient vierges, servantes ou veuves, qui, à partir de et après un tel acte, imposent, séduisent ou trahissent dans le mariage, l'un des sujets de Sa Majesté, par les parfums, les peintures, les lavages cosmétiques, les dents artificielles, les faux cheveux, la laine espagnole, les baleines de fer, les cerceaux, les chaussures à talons hauts et les hanches renforcées, encourront la peine de la loi en vigueur contre la sorcellerie et les délits similaires et que le mariage sur condamnation sera nul et vide.

Proposé en 1770, probablement comme une critique ironique à la mode plutôt que comme une loi sérieuse, cet amendement à la loi sur la sorcellerie n'a jamais été adopté, et il n'a pas non plus été présenté dans la salle des débats.

Néanmoins, les soins de beauté étaient abondants en Grande-Bretagne géorgienne. Ici, nous considérons sept des plus étranges et merveilleux…

Blanc, blanc, blanc !

Notre obsession d'acquérir le bronzage parfait au soleil aurait complètement déconcerté les Géorgiens. Au XVIIIe siècle, le bronzage était un signe certain que l'on travaillait à l'extérieur, alors que les classes aisées et polies restaient à l'intérieur et à l'abri des rayons du soleil. La mode géorgienne la plus basique et peut-être la plus célèbre était la peau blanche en porcelaine, pour les hommes et les femmes.

Outre le fumier de cheval et le vinaigre, le principal ingrédient des crèmes et poudres blanchissantes pour la peau était le plomb. Enduits généreusement sur le visage et le cou, ces crèmes et poudres ont aidé à obtenir ce look « jamais été à l'extérieur » si important. La blancheur a été accentuée en utilisant une coloration bleue pour souligner les veines, tandis que les lèvres et les joues ont été teintées avec encore plus de plomb - cette fois colorées avec du carmin [un pigment rouge vif obtenu à partir du sel d'aluminium de l'acide carminique] ou même avec des mélanges contenant du mercure hautement toxique. .

Avec l'utilisation généralisée du plomb, il n'était guère surprenant que les types à la mode commencent à subir de graves réactions à leur maquillage. Des troubles oculaires aux problèmes digestifs et même, dans les cas extrêmes, la mort, au prix de suivre la mode pour blanc était élevé.

Le teint de porcelaine si prisé des fashionistas géorgiennes n'était pas non plus facile à obtenir financièrement. Mortelles ou non, les crèmes pour la peau étaient un ajout coûteux à la trousse de maquillage d'une femme et pour celles qui recherchent la beauté avec un budget limité, les options étaient limitées : pour les cheveux et le visage, un léger saupoudrage de farine de blé pourrait suffire.

Le langage des patchs

Aussi connu sous le nom mouches, les patchs de beauté étaient de petites coupures de velours noir, de soie ou de satin qui étaient attachées au visage pour couvrir les imperfections, y compris les cicatrices de variole et les dommages causés par la céruse, ou tout simplement comme un peu de décoration. Souvent conservés dans des contenants très décoratifs, ces patchs ont connu de nombreuses années de popularité.

Tout comme les fans pouvaient être utilisés pour communiquer un message secret, la position de ces taches de peau a fini par être associée à des significations codées. Par exemple, si l'on souhaitait montrer une allégeance politique, un patch sur le côté droit du visage désignait un Tory tandis qu'un Whig portait un patch sur la gauche. Sur une note plus intime, un patch au coin de l'œil pourrait être une invitation à un amant potentiel.

Contrairement aux crèmes pour le visage, les patchs n'étaient pas seulement l'apanage des riches. Si vous ne pouviez pas vous offrir de la soie et du velours finement façonnés, un peu de peau de souris coupée ferait tout aussi bien.

Des patchs apparaissent dans de nombreuses pièces d'art géorgien peut-être le plus célèbre dans William Hogarth Le progrès d'une prostituée, une série de peintures et de gravures dans lesquelles le visage de l'héroïne Moll Hackabout – autrefois frais et joli – prend de plus en plus de taches jusqu'à ressembler à la madame hagarde de bordel qui l'a initiée à la vie de bordel londonien. Pour Moll, les patchs couvraient sans aucun doute les signes révélateurs de maladies telles que la syphilis – un monde loin des salles de bal à la mode en France où un patch pouvait signifier flirt, séduction et intrigue.

Cheveux énormes

L'image populaire de la fin du XVIIIe siècle est celle dans laquelle des perruques énormes et flamboyantes vacillaient de manière précaire au sommet de la tête des femmes à la mode, mais ce n'est pas vraiment exact. Il y avait beaucoup de cheveux chancelants, mais ils étaient souvent réels, avec des perruques généralement portées uniquement par les hommes du XVIIIe siècle.

Mesdames et messieurs ont obtenu leur couleur de cheveux pâle à la mode en appliquant de la poudre pour cheveux, qui était faite de farine ou d'amidon et soufflée sur la tête avec une paire de soufflets [un appareil conçu pour fournir un fort souffle d'air]. Pour ce look typiquement géorgien à « gros cheveux », les riches ont employé une armée de stylistes qui ont construit des structures élaborées au sommet de leur tête autour de cadres en bois rembourrés de sections supplémentaires souvent en crin de cheval.

Des pinces à friser ont également été développées : elles ressemblaient à une paire de ciseaux émoussés, avec deux dents en métal et des manches en bois. Lorsque les dents étaient chauffées au feu, les cheveux pouvaient ensuite être enroulés autour d'eux et maintenus en place jusqu'à ce que la boucle soit prise. Alternativement, des rouleaux d'argile ont été chauffés dans un four puis appliqués sur les cheveux ou la perruque.

Les têtes étaient souvent ornées de fruits en cire et d'autres décorations telles que des fleurs ou même des maquettes de voiliers, et les coiffures les plus élaborées restaient en place pendant des jours ou des semaines.

Dans ces coiffes monumentales, nos messieurs et dames à la mode ont acquis des poux occasionnels, mais les Géorgiens avaient également une réponse à cela : des tiges spécialement conçues étaient vendues qui pouvaient être glissées entre les couches de cheveux et utilisées pour gratter les piqûres de poux, tout en veillant à ce que leur les coiffures à la mode sont restées parfaites.

Si les poux devenaient vraiment irritants, il y avait toujours la possibilité de les traiter avec du mercure, mais étant donné que cela était connu pour provoquer potentiellement la folie ou la mort, une tige à gratter était généralement l'option préférée.

Souris-sourcils

Avec du plomb appliqué généreusement sur le visage comme une question de routine, il n'est guère surprenant que les sourcils des gens tombent souvent. Les fashionistas géorgiennes ont donc adopté une nouvelle approche et ont commencé à arracher ou à raser ce qui restait de poils de sourcils avant de dessiner un nouveau sourcil ou d'utiliser du plomb ou du liège brûlé pour en colorer un.

Alors que les sourcils noirs devenaient un look populaire, des mentions occasionnelles d'une nouvelle mode plutôt étrange ont commencé à émerger : en 1718, le célèbre poète Matthew Prior a écrit un poème satirique sur Helen et Jane, qui portent des sourcils en peau de souris. Les preuves des sourcils en peau de souris restent rares, mais leur mention apparaît dans la satire tout au long du début du XVIIIe siècle.

Rembourrage aux bons endroits

De nombreuses carrières de célébrités du 21e siècle ont été établies sur (ou du moins renforcées par) la force d'un fond bien fait. Pourtant, ce n'est pas nouveau : les hommes géorgiens à la mode n'étaient pas étrangers à un peu de rembourrage stratégique.

Les culottes moulantes conçues pour montrer les jambes bien formées de leur porteur sont devenues à la mode - mais que se passerait-il si on ne le faisait pas ? ont jambes bien formées ? Pour ceux qui étaient trop maigres pour remplir le vêtement, le rembourrage était la réponse naturelle. Tout comme un soutien-gorge rembourré moderne met en valeur la poitrine, des coussinets en tissu ou en crin de cheval pourraient être insérés dans la culotte qui donneraient l'impression de mollets musclés. Ces coussinets pourraient également être insérés n'importe où ailleurs le porteur masculin pourrait aimer un coup de pouce !

Ces serviettes étaient l'apanage des hommes géorgiens et de la Régence les plus soucieux de la mode. Ils ont trouvé la popularité parmi les gars flamboyants très à la mode connus sous le nom de dandys qui portaient des corsets et des coussinets pour créer la forme masculine parfaite.

Un sourire éclatant

Avec les classes supérieures se livrant à toutes sortes de friandises sucrées, il n'est pas surprenant que les dents de nos beautés géorgiennes soient loin d'être parfaites. Les poudres dentifrices (également appelées dentifrice) étaient donc utilisées pour blanchir les dents : parmi leurs ingrédients de seiche et de bicarbonate de soude figurait souvent le mystérieusement nommé esprit de vitriol. Mieux connu aujourd'hui sous le nom d'acide sulfurique, ce minéral (que l'on sait désormais très corrosif) blanchit certes les dents, mais surtout parce qu'il les dépouille complètement de leur émail.

Sans surprise, de nombreux Géorgiens ont eu besoin d'une chirurgie dentaire et, sans anesthésie, de telles procédures étaient une affaire de peau rampante. Une fois la dent gênante retirée, les patients les plus riches pouvaient opter pour une dent vivante de remplacement à acheter auprès d'un donneur et à visser directement dans l'alvéole. Certaines de ces dents vivantes étaient en fait sorties de la bouche de cadavres, apportant avec elles toutes les maladies et infections auxquelles leur propriétaire d'origine avait été sujet.

Si une dent vivante coûteuse était au-dessus de vos moyens et qu'un espace ne suffisait tout simplement pas, des alternatives étaient proposées : tout, d'une seule dent à un ensemble complet de prothèses dentaires, pouvait être construit à partir de matériaux tels que la porcelaine, l'ivoire ou même les dents de soldats morts à la bataille de Waterloo. Connues sous le nom de « dents de Waterloo », elles ont été recueillies dans la bouche de soldats morts et sont devenues très recherchées. Après tout, un client savait qu'une dent de Waterloo n'était pas venue d'un homme mort de maladie ou d'un cadavre déterré par des pilleurs de tombes, mais d'un jeune soldat (espérons-le) en bonne santé qui est mort honorablement sur le champ de bataille.

Un masque pour le visage

Moins connu que les visages géorgiens blancs et les cheveux énormes, le « fard », un masque facial de régence utilisé pour apaiser les coups de soleil et les « éruptions cutanées » [taches].

Fard était un mélange d'huile d'amande douce, de spermaceti [une substance cireuse trouvée dans la tête d'un cachalot] et de miel qui a été dissous à la chaleur et, une fois refroidi, appliqué sur le visage et laissé toute la nuit. La recette, qui a été publiée pour la première fois en 1811, a été réimprimée et, on suppose utilisée, des décennies plus tard.

Catherine Curzon est l'auteur de La vie à la cour géorgienne, qui doit être publié par Pen and Sword Books le 30 juin 2016. Curzon gère également un site Web sur le thème du XVIIIe siècle nommé Le guide de la vie de Covent Garden Gilflurt.

Histoire de la bague de mariage et de fiançailles de l'ère géorgienne

L'ère géorgienne s'étend de 1714 à 1837 et couvre la période de domination britannique sous le roi George I jusqu'au roi George IV. S'étendant sur une période de plus d'une décennie, il n'est pas plausible d'aborder toutes les tendances et tous les aspects historiques de cette époque, mais aux fins de cet article, nous aborderons les styles les plus populaires de bijoux et les bijoux liés au mariage - nous' Je vais même ajouter quelques faits amusants sur le mariage de l'ère géorgienne pour votre plaisir de lecture !

Les bijoux de l'ère géorgienne étaient un art fait à la main à forte intensité de main-d'œuvre - contrairement à aujourd'hui, où la technologie moderne génère des centaines de pièces identiques, les bijoux que vous avez obtenus à l'époque géorgienne étaient vraiment uniques en leur genre. Alors que l'or 22 carats et 18 carats étaient deux des métaux les plus populaires à l'époque géorgienne, la popularité était également observée dans Pinchbeck, un laiton composé d'un mélange de cuivre et de zinc et qui est une imitation extrêmement acceptable de l'or.

Pendant l'ère géorgienne, de nombreux Allemands ont fait don de leur or bien-aimé pour aider à construire et à renforcer leur armée - à leur tour, ils ont reçu de la fonte. Ce compromis a entraîné une augmentation patriotique de la popularité des bijoux en fonte. En termes de pierres, les diamants étaient la pierre la plus convoitée de l'ère géorgienne, en partie en raison du fait qu'ils étaient relativement inaccessibles. Malgré la forte demande de diamants, les pierres précieuses étaient également extrêmement populaires et souvent utilisées.

À l'époque géorgienne, le sertissage de pierre le plus populaire était le montage. Un sertissage monté masque l'intégralité du dessous d'une pierre et, comme vous pouvez l'imaginer, empêche beaucoup de lumière de traverser la pierre et diminue son éclat. À l'époque, la solution pour cet effet secondaire malheureux de la monture était de placer de l'aluminium dans la monture, sous la pierre, dans l'espoir que la lumière qui la traverse reflètera l'aluminium et créera l'éclat et le lustre que nous désirons toujours. aujourd'hui.

En raison d'un réglage qui a entraîné une brillance et un lustre moins qu'idéal, les coupes de l'ère géorgienne utilisaient la forme d'une pierre pour maximiser sa brillance. Une coupe populaire de l'ère géorgienne est la coupe Rose, une coupe qui est toujours populaire aujourd'hui. Une autre coupe populaire de l'ère géorgienne est l'Old Mine Cut – une coupe rare qui nécessite des détails ornés et, une fois sa popularité passée, a été recoupée en coupes plus populaires de l'époque.

Chez Jane Austen Sens et sensibilité, l'un des personnages masculins porte une bague contenant une tresse de cheveux tressée. Bien qu'aujourd'hui, cela puisse sembler un peu bizarre, à l'époque géorgienne, incorporer de tels gestes était courant, voire tout à fait normal. Les cheveux en anneaux sont probablement la tendance la plus étrange associée à l'ère géorgienne, d'autres tendances sont celles qui préservent le temps et les souvenirs, un aspect important de cette époque. Ce besoin de préserver a créé deux bijoux, tous deux toujours populaires aujourd'hui - le premier est l'anneau de deuil, le second est le médaillon.

L'anneau de deuil, ou mémorial, était un moyen de commémorer ceux qui sont décédés. Cette bague contenait traditionnellement une petite pierre et une inscription d'informations relatives au défunt, telles que son anniversaire, sa date de décès ou son nom. Des anneaux de deuil plus élaborés contenaient des portraits gravés du défunt. Le médaillon était également capable de préserver le temps en contenant des images, des notes ou de petits objets. Le médaillon tel que nous le connaissons se présente sous la forme d'un collier, mais à l'époque géorgienne, les médaillons étaient très populaires.

Bien qu'elles se soient moins concentrées sur la préservation du temps, les bagues Posey sont également devenues un style de bijoux convoité à l'époque géorgienne. La bague Posey était une délicate bande d'or gravée d'un dicton approprié à son objectif. Les bagues Posey sont devenues une bague très recherchée pour les fiançailles à l'époque géorgienne.

Outre la bague Posey, les bagues de fiançailles et de mariage populaires étaient fortement axées sur la nature. Les dessins de ces bagues, que ce soit par inscription ou par placement de pierres, faisaient souvent allusion à des papillons, des fleurs, des colombes et d'autres éléments délicats de la nature.

L'utilisation générale des bagues de fiançailles n'était pas très populaire à l'époque géorgienne - mais si elle était offerte par le marié, elle était offerte comme un symbole de l'amour du futur marié pour sa future épouse. Cette bague était portée au quatrième doigt de la main gauche, comme elle l'est aujourd'hui.

Lors de la discussion sur les mariages, l'ère géorgienne a vu une augmentation des lois relatives au mariage. Si vous êtes intéressé par ces lois dans leur ensemble, vous pouvez les trouver dans The Marriage Act of 1753, également connu sous le nom de « Act for the Better Preventing of Clandestine Marriage » (loi sur le mariage clandestin).

En partie, la loi sur le mariage de 1973 réglementait l'âge du consentement matrimonial – stipulant qu'une personne doit avoir 21 ans ou avoir le consentement des parents pour se marier. La loi réglementait également quand et où un couple peut se marier – la cérémonie aurait lieu avant midi dans la paroisse de résidence en tant que mari et femme. Enfin, la loi sur le mariage réglait la durée des fiançailles à un minimum de quatre semaines, ce qui a poussé les couples à s'enfuir et, par conséquent, a réduit la popularité de la bague de fiançailles.

Les bijoux de l'ère géorgienne sont difficiles à trouver aujourd'hui - cela est dû au fait que la plupart des bijoutiers fondaient des pièces supplémentaires ou utilisées pour en créer de nouvelles qui suivaient les tendances. En raison de la rareté des bijoux de cette époque, les bijoux authentiques de l'époque géorgienne sont extrêmement chers aujourd'hui, se vendant entre 3 000 et 4 000 dollars pour quelque chose d'aussi simple qu'un anneau en or.

La première chose à comprendre est qu'il existe des différences subtiles entre le style des meubles géorgiens et Régence….

La première chose à rechercher est quel bois a été utilisé. Les pièces géorgiennes sont susceptibles d'utiliser du chêne et de l'acajou. L'acajou est typiquement un bois dur, de couleur brun rougeâtre foncé qui s'assombrira avec le temps et se polira en un éclat rougeâtre. Le chêne est à nouveau connu pour sa dureté, il peut également avoir des marques de grain très attrayantes et se trouve dans les variétés rouges et blanches. Le chêne rouge, parfois appelé chêne noir, a une dominante rosâtre et est le plus populaire des deux. Le chêne blanc a une dominante légèrement verdâtre.

Les meubles géorgiens clés dans les domaines du divertissement auraient été des buffets, des consoles avec des plateaux en marbre, des bureaux Kneehole, des armoires à boissons, des tables à cartes et des bibliothèques intégrées à façade en verre. Dans les chambres et dressings chaises longues, lits à baldaquin en bois et lavabos.

Table de tambour garnie de cuir de style géorgien

Les designers importants de la période géorgienne sont notamment Hepplewhite et Chippendale.

Style Heppleblanc

Canapé de style Hepplewhite avec pattes carrées effilées

Canapé de style Hepplewhite, notez le motif géométrique en tissu et le style de jambe plus droit vu dans les 3 pièces

Une caractéristique observée dans de nombreux designs Hepplewhite est un dossier de chaise en forme de bouclier.

une chaise à dossier bouclier typique

Les pièces Hepplewhite ont généralement des pieds droits, qui peuvent être carrés ou effilés et ont souvent des bords cannelés ou cannelés, à l'imitation des colonnes classiques.

Quelques exemples de jambes de style Hepplewhite, toutes effilées (plus étroites) vers le pied

Les pieds de style Hepplewhite ont généralement un pied de flèche conique ou un pied de bêche.

Les pieds de support étaient courants sur les coffres, les bibliothèques et les bureaux car ils étaient plus lourds. Les pièces de style Hepplewhite ont des formes géométriques simples, généralement incurvées ou circulaires.

Style Chippendale

The designs of Thomas Chippendale cover a wide range of styles, from Rococo to Gothic, neoclassic and oriental style. Chippendale covered such a wide variety of items and styles and set the bar for furniture makers to come, so there are a lot of pieces in Chippendale style. Chippendale style furniture can be a little harder to spot, so I will point out a few of the easiest things to look for.

There are six different basic Chippendale style legs. These are the lion’s paw, the ball and claw, and the club, based on the cabriole shape which is an elegant, serpentine style ending in a distinctive foot.

The remaining leg styles are straight with the Marlborough being a plain, square leg the spade a tapered round leg often with a square or trapezoid foot and the late Chippendale having a square leg with a square foot.

A pair of Chippendale dining chairs, with intricate carving and claw and ball feet

The claw and ball feet seen again here on this mahogany desk with carved skirting

A Chippendale style chest, with shell pattern carving seen often in this period. This chest has the bracket foot used on heavier pieces.

As these items are now antiques, their price can really vary depending on the maker, the condition of the piece, the pieces history of ownership, where you are, and your bargaining skills! However, it is worth adding that presently its possible to pick up pieces at a comparatively low cost. In essence they aren’t seen as being particularly ‘fashionable’ at the moment so at salvage companies like Lassco at Brunswick House you can buy a beautiful 18th Century Mahogany table for less than you might spend on a modern mass-produced one.

There’s also the option of buying reproduction pieces instead of original Georgian furniture. There are a number of companies who produce expertly crafted pieces, akin to the originals, but you get them in perfect condition. They’ll then last you and your family for many decades to come.

Bringing a classic piece up to date

I think it’s really worth investing in a classic piece and bringing it up to date with the use of modern fabrics. There is no denying that antique pieces were made in stronger woods and with more care to detail, so by adding a contemporary fabric you will have a great classically inspired piece that still works in a modern setting and will be totally unique to you.

A classic piece reupholstered in a contemporary fabric

I recommend going to a professional re-upholstering company that specialize in the re-upholstery of antiques, as they will give a great finish and even repair parts of your product to reinforce it and make it last much longer. Etons of Bath can help point you in the right direction.

If that’s a little out of your price range, I have found this great tutorial on how to do a DIY fabric upholstery on an antique chair.

I hope this blog has helped you to understand a little more on some typical Georgian furniture pieces. They are beautifully and expertly made and can compliment any home setting, and personally I find them a lot more interesting than cheap, mass produced goods of today. To see how I have used classic Georgian furniture pieces in homes in Bath and Bristol, have a look at our portfolio

Seventeenth-Century Rings

Toward the end of the sixteenth century and the beginning of the seventeenth century, a marked change in jewelry and ring styles took place. Just as the Renaissance period was highlighted by ornate gold settings this era was distinguished by a growing emphasis on the gemstone. Refinements in cutting and foiling techniques resulted in a greater diversity of shapes and an emphasis on displaying the beauty of the gems themselves. Enamel is now typically used only as an accent in either white or black and, while gold is still used for colored gemstones, diamonds are set off in silver. Large stones are now worn and set as solitaires while arrangements of smaller stones are set in a myriad of shapes including stars, rosettes, and cruciforms. Details on the shoulders are kept subdued and most often as an engraved foliate motif simply enhanced by black and white enamel.

The prevalence of death was an inescapable part of everyday life in the 1700s. Continued plagues, widespread poverty, famine, and war – all these Malthusian factors served to keep death a common presence and the wearing of souvenir mori rings popular. A variety of ring styles were used with souvenir mori themes including signets, wedding rings with a skull between two hands, and locket rings featuring skulls and crossbones. As with other rings, gemstones if affordable, added an element of less austere ornamentation.

By the second half of the seventeenth century, souvenir mori imagery began to merge with the mourning ring. Distributed according to wills, seventeenth-century mourning rings were inscribed with details such as the individual’s name, initials, coat of arms and date of death. A plain gold band or band of gold enameled all the way around in emblems of death and burial, with an inner inscription were characteristic. Locks of hair were sometimes contained in locket bezels or in hollow hoops. The increasing popularity of bequeathing mourning rings is generally attributed to the execution of the English King Charles I in 1649. Supporters of the monarchy wore jewelry, most often rings, made of a flat topped quartz crystal which covered a gold wire cipher or crown set upon a background of plaited hair. This style known as Stuart Crystals would continue to be popular into the 18th century.

Memento Mori Ring, 17th Century. Skeleton Holding an Hourglass Surmounted on Braided Hair.
Schmuckmuseum Pforzheim, Germany.

Angleterre

About 1720, mahogany was imported into England and slowly superseded walnut as the fashionable wood for furniture. The Palladian (after the Italian Renaissance architect Andrea Palladio) interiors demanded furniture more striking and larger in scale than the walnut-veneered pieces of the early 18th century. Inspired by the interiors of French and Italian palaces, architects such as William Kent began to design furniture. The design was Classical, in keeping with the traditions of Palladio and the English architect Inigo Jones the ornament was Baroque. At Holkham Hall in Norfolk, Rousham Hall in Oxfordshire, and elsewhere, Kent’s furniture may be seen in its proper environment: gilt mirrors and side tables with sets of chairs and settees covered with patterned velvets matching the grandeur of elaborate architectural Palladian interior decoration.

Despite the resistance of the Palladian Classicists who deplored its asymmetrical principles, in the 1740s the Rococo style crept into English decoration and furniture design. During this decade pattern books of ornament in the full Rococo style by Matthias Lock and Henry Copland were published in London and in 1754 Thomas Chippendale published his Gentleman and Cabinet Maker’s Director, which provided patterns for a wide range of English furniture in the Rococo style and its Chinese and Gothic offshoots. During the following years several similar works were published by such craftsmen and designers as William Ince and Thomas Mayhew, Thomas Johnson, and Robert Manwaring. The Rococo style was firmly established in England throughout the 1750s and into the 1760s. Chippendale and other cabinetmakers borrowed not only ornament from the French rocaille but designs for individual types. Chippendale’s fame rests largely on his publication, though in fact it has now been more or less conclusively proved that he himself was not responsible for the designs, but employed two other designers, Lock and Copland. There were several cabinetmakers—for example, William Vile and John Cobb—whose only memorial is a small quantity of furniture attributable to them. Though it has become the practice to speak of a Chippendale chair or a Vile commode, this does not imply that the pieces were actually made by these craftsmen but that they were made in their workshops.

By mid-18th century every act of the day that necessitated the use of furniture was catered to by some specialized piece, while the basic furniture such as chairs, cupboards, beds, and tables were designed and decorated in innumerable forms. The number of variants on the Rococo chair splat runs into several hundreds. The ingenuity of the cabinetmaker and carver knew few limitations.

An offshoot of the Rococo style, the Gothic taste was particularly well developed in England. Starting early in the century as a literary device, in the 1740s it began to take more solid shape in architecture, interior decoration, and furniture. As with furniture in the Chinese taste, Gothic furniture bore no relation to its medieval equivalents the ornaments, such as tracery and cusped (a point formed by the intersection of two arcs or foils) arches, applied to furniture were borrowed from Gothic architecture. The Gothic taste was much publicized by the writer Horace Walpole’s celebrated villa, Strawberry Hill, in Middlesex, England. Chippendale included designs for furniture in the Gothic taste in all three editions of his Director.

HOME DESIGN A HOUSE IN THE GEORGIAN MODE

If David Anthony Easton has anything to say about the future of American architecture, a third category will vie with modernism and postmodernism - a classification that might be dubbed premodernism. Its most salient characteristic: the absence of any trace of having been created in the 20th century. The Illinois house shown here and on the following pages is just one of several ambitious ''period'' houses that have been designed since 1976 by David Easton's New York firm. Although he has architects on his staff, Easton is an interior designer. He brings to his houses a concern for surface and an unabashed affection for history that make them differ materially from work done by architects - even those few who claim to be traditionalists.

Despite the occasional postmodernist ''reference'' that swerves perilously close to out-and-out imitation, architects generally have serious qualms about indulging in historic reproduction. Decorators, on the other hand, tend to be less inclined to see themselves as standard-bearers for the age in which they work. Many, in fact, seem drawn to their profession because it permits them to immerse themselves in design from the past. Easton taught design history at Parsons School of Design for five years. He believes that familiarity with the past enriches all of design - modern and traditional.

In addition to a fondness for history, Easton brings to his houses a distinctly decorative sensibility. Although conceived in ''one take,'' the Illinois house was intentionally made to look as if it had been added to at various points in history. A rambling quality was achieved by contriving an '𧫝ition,'' the west wing, that appears to have been added to the ''original'' structure, a pure 18th-century-style Georgian square. The addition, while essentially Georgian, takes license. The greenhouse portion, for example, 'ɼould only have happened in the early 19th century,'' according to Easton. ''I didn't want to create a house that was stiff and museumlike. Williamsburg is a bore.'' o combat stiffness, Easton indulged in a touch of eclecticism -a familiar decorator's trick. So is the use of mottled materials -the exterior is made of uncleaned brick and pocked Texas shellstone - to achieve an appearance of age. Indoors the attention to surface is unabated: Woodwork is painted and then glazed to look less bright, engraved rimlock plates are ground down to ap-proximate the effects of centuries of polishing, and floors are scraped with lye and steel brushes before finishing to relieve any offending sense of being too new. ''We wanted everything to look as if a bit of dust had gathered,'' Easton explains.

Another decorator's attribute that Easton brings to such jobs is the romantic's aptitude for assimilating the intricacies of domesticity on a grand scale. ''It's not just a matter of understanding that the owners and their guests want to be able to push their breakfast trays into the corridor without being observed,'' Easton says. ''There is also the complex hierarchy among the staff. Chefs, butlers, housekeepers and secretaries each have their own empires. The design of the house must accommodate them.''

Easton and his staff worked on the Illinois house for nearly four years, researching, designing and collecting. ''It opened up a whole new world for me,'' says Boris Baranovich, an architect who joined Easton to work on this house. ''I had been schooled in comtemporary architecture, so I had to struggle with myself in the beginning to justify what I was doing.'' Unlike much traditional design, this house manages to be neither timid nor trendy. While Easton assiduously avoided the sort of chic styling that tends to date period rooms, he was equally careful to steer clear of the sort of neutral detailing that could pass for virtually any period. He and his staff designed a Georgian house as if they were Georgian architects: sticking strictly to the vocabulary of the period, they ''invented'' with bravura. aturally, there were compromises. Authentic Georgian architecture has loadbearing masonry walls. The masonry walls in this house bear no loads indeed, they are veneer - just for show. Consequently, the wood-andsteel frame walls had to be constructed in pairs to achieve an appearance of masonrylike thickness at windows and door openings. Then air-conditioning and heating ducts, telephones, even electical outlets had to be inobtrusively woven in. And finally, the separation of the front and back of the house, which was absolute in the 18th century, had to be modified to meet this modern family's needs. Since the owners do some of their own cooking, the kitchen was given more than the strictly utilitarian treatment customary to kitchens that are used only by staff the family's breakfast room was designed to flow directly into the kitchen in the modern mode.

Even so, the house is an anachronism, placing special pressures on those who live in it. Majestic entries were not designed to be dashed through, nor grand staircases to be skipped down. Killing time gracefully is Georgian architecture's sine qua non. The intention is to elevate to ritual such mundanities as walking from one room to the next. In the Georgian house of the 18th century, a processional arrangement of rooms through which one traveled with stately bearing was a compensation for the tedium of passing day after day, year after year, largely bound to the house. Today, such a house can seem inhibiting, its circulation patterns cumbersome. For better or worse, the very floor plan

“My idea of good company…is the company of clever, well-informed people, who have a great deal of conversation.” – Jane Austen, Persuasion

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Eighteenth Century Ireland, Georgian Ireland

The 18th century tended to be neglected by Irish historians in the 20th century. Irish achievements in the 18th century were largely those of Protestants, so Catholics tended to disregard them. Catholic historians concentrated on the grievances of the Catholics and exaggerated them. The Penal Laws against Catholics were stressed regardless of the fact that most of them affected only a small number of rich Catholics, the Catholic landowners who had sufficient wealth to raise a regiment of infantry to fight for the Catholic Stuart pretenders. The practice of the Catholic religion was not made illegal. Catholic priests could live openly and have their own chapels and mass-houses. As was the law at the time, the ordinary workers, Catholic or Protestant, had no vote, and so were ignored by the political classes. Nor had they any ambitions in the direction of taking control of the state. If they had local grievances, and in many places they had, especially with regard to rents and tithes, they dealt with them locally, and often brutally, but they were not trying to overthrow the Government. If some of them looked for a French invasion it was in the hope that the French would bring guns and powder to assist them in their local disputes. It is a peculiarity, as yet unexplained, that most of the Catholic working classes, by the end of the century, had names that reflected their ancestry as minor local chiefs. The question remains where did the descendants of the former workers, the villeins and betaghs go? The answer seems to be that in times of war and famine the members of even the smallest chiefly family stood a better chance of surviving. This would explain the long-standing grievance of the Catholic peasants that they were unjustly deprived of their land. We will perhaps never know the answer to this question. Penal Laws against religious minorities were the norm in Europe. The religion of the state was decided by the king according to the adage cuius regio eius religio (each king decides the state religion for his own kingdom). At the end of the 17th century, the Catholic landowners fought hard for the Catholic James II. But in the 18th century they lost interest and preferred to come to terms with the actually reigning monarch, and became Protestants to retain their lands and influence. Unlike in Scotland, support for the Catholic Stuarts remained minimal. Nor was there any attempt to establish in independent kingdom or republic. When such an attempt was made at the very end of the century it was led by Protestant gentlemen in imitation of their American cousins. Ireland in the 18th century was not ruled by a foreign elite like the British raj in India. It was an aristocratic society, like all the other European societies at the time. Some of these were descendants of Gaelic chiefs some were descendants of those who had received grants of confiscated land some were descendants of the moneylenders who had lent money to improvident Gaelic chiefs. Together these formed the ruling aristocracy who controlled Parliament and made the Irish laws, controlled the army, the judiciary and the executive. Access to this elite was open to any gentleman who was willing to take the oath of allegiance and conform to the state church, the Established Church but not the nonconformists. British kings did not occupy Ireland and impose foreign rule. Ireland had her own Government and elected Parliament. By a decree of King John in the 12th century, the Lordship of Ireland was annexed to the person of the king of England. When not present in Ireland in person, and he rarely was, his powers were exercised by a Lord Lieutenant to whom considerable executive power was given. He presided over the Irish Privy Council which drew up the legislation to be presented to the Irish Parliament. One restraint was imposed on the Irish Parliament. By Poynings’ Law it was not allowed to pass legislation that infringed on the rights of the king or his English Privy Council. The British Parliament had no interest in the internal affairs of Ireland. The Irish Council were free to devise their own legislation and they did so. The events in Irish republican fantasy are examined in detail. The was no major rebellion against alleged British rule. The vast majority of Catholics and Protestants rallied to the support of their lawful Government. The were local uprisings easily suppressed by the local militias and yeomanry. Atrocities were not all on one side. Ireland at last enjoyed a century of peace with no wasteful and destructive wars within its bounds. No longer were its crops burned, its buildings destroyed, its cattle driven off, its population reduced by fever and famine. Its trade was resumed and gradually wealth accumulated and was no longer dispersed on local wars. Gentlemen, as in England, could afford to build great country and town houses. The arts flourished as never before. Skilled masons could build great houses. Stone cutters could carve sculptures. The most delicate mouldings could be applied to ceilings. The theatre flourished. While some gentlemen led the life of wastrels, others devoted themselves to the promotion of agriculture and industry. Everywhere mines were dug to exploit minerals. Ireland had not the same richness of minerals as England, but every effort was made to find and exploit them. Roads were improved, canals dug, rivers deepened, and ports developed. Market towns spread all over Ireland which provided local farmers with outlets for their produce and increased the wealth of the landlords. This wealth was however very unevenly spread. The population was ever increasing and the poor remained miserably poor. In a bad year, hundreds of thousands of the very poor could perish through cold and famine. But the numbers of the very poor kept on growing. Only among the Presbyterians in Ulster was there emigration on any scale. Even before the American Revolution they found a great freedom and greater opportunities in the American colonies. Catholics, were born, lived and died in the same parish. Altogether it was a century of great achievement.