Quel serait le style des affiches recherchées dans les années 1500

En Espagne, quel serait le style d'affiche recherchée (pour les pirates) ?

Serait-ce comme le type Far West d'une affiche plus moderne.

Je ne crois pas qu'il y ait eu d'affiches recherchées en Espagne dans les années 1500. Si vous avez des preuves, veuillez documenter vos recherches préliminaires dans votre question.

Le premier enregistrement que j'ai pu trouver d'un avis de recherche en Europe date de 1881 ; bien que les commentaires suggèrent que les affiches de recherche étaient courantes aux États-Unis à cette époque. True West Magazine suggère (non concluant) qu'ils datent de la dernière moitié du 19e siècle.

Wikipedia sur Calico Jack cite une illustration dans un livre de 1722. Si une affiche de recherche existait, je soupçonne qu'ils l'auraient utilisée de préférence à une gravure sur bois.

Selon l'histoire des affiches, "Les premières affiches ont été créées au milieu du 19ème siècle en France comme publicités pour de nouveaux produits." Ce qui suggère que les affiches et les affiches recherchées sont toutes deux apparues bien après les années 1500

Ils ressemblaient à ça :

Plus sérieusement, cependant, les avis de recherche étaient davantage un produit du XVIIIe siècle (années 1700) lorsque l'impression est devenue moins chère, bien que de tels avis soient également apparus dans la dernière partie du XVIIe siècle. Dans les années 1500, le papier et les imprimés étaient chers et la plupart des gens ne savaient pas lire.

Il y avait certainement des primes offertes, par exemple, il est dit que Phillip a mis une prime sur la tête de Francis Drake, mais il est difficile de trouver la documentation de telles offres avant 1650.

Créer une affiche de recherche pour un projet scolaire - Histoire, roman ou jeu

Faire une affiche de recherche est un moyen créatif qui peut vous aider à analyser un personnage dans un roman ou une histoire. Par exemple, vous pouvez facilement créer des affiches recherchées pour les personnages de l'histoire Georges curieux, le roman Le creuset ou le jeu L'Anneau du général Macias. L'affiche de recherche est un projet polyvalent qui peut être utilisé pour de nombreux devoirs à peu près à n'importe quel niveau scolaire. Une rubrique est incluse avec cet article pour vous aider à voir comment réussir lors de la création d'une affiche de recherche pour un projet scolaire. [caption align="aligncenter" width="451"] L'affiche recherchée peut aider à l'analyse des caractères[/caption]

Quel serait le style des affiches recherchées dans les années 1500 - Histoire

Histoire de l'art de l'affiche
Evolution & Chronologie de la conception d'affiches lithographiques.
INDICE PRINCIPAL A-Z

Une des nombreuses affiches de
Cabaret Le Chat Noir à Paris
par Théophile Steinlen (1896).

Histoire de l'art de l'affiche (vers 1860-1980)

Affiche couleur pour vélos Perfecta
(1902) Par Alphonse Mucha.

HISTOIRE DES ARTS VISUELS
Pour les dates importantes du
développement des beaux-arts et
autres formes d'art, voir :
Chronologie de l'histoire de l'art.
Pour plus de détails sur les mouvements artistiques
styles et genres, voir :
Histoire des arts.

IMPRESSION
Pour plus d'informations,
voir : Glossaire de la gravure.

L'évolution et le développement de l'art de l'affiche ont toujours été étroitement liés aux progrès techniques de la gravure, notamment de la lithographie. Ainsi, bien que le procédé lithographique ait été inventé par Alois Senefelder (1771-1834) dès 1798, il a eu peu d'impact sur les affiches jusqu'à l'avènement de la chromolithographie plus tard au 19ème siècle. Même alors, ce n'est que Jules Chéret (1836-1932) a inventé son "procédé lithographique à trois pierres" pratique dans les années 1860 - permettant aux lithographes de produire un large éventail de couleurs à partir de seulement trois pierres - que les affiches couleur à faible coût sont enfin devenues une réalité.

Connu comme le "père de l'affiche des beaux-arts", Cheret a non seulement développé un procédé de lithographie en couleur moins cher, avec des couleurs plus riches et plus expressives, il a également amélioré la nature esthétique de l'affiche, la dotant de motifs gracieux (certains influencés par les gravures sur bois Ukiyo-e du Japon, par des artistes comme Hokusai et le jeune Hiroshige) et l'a transformé en une œuvre d'art indépendante. De plus, il encouragea d'autres peintres à explorer le genre : il publia plus tard son livre spécial Mai&circtres de l'Affiche (Masters of the Poster), pour promouvoir les meilleurs designers. Il a également introduit la forme féminine dans ses créations, pour un attrait supplémentaire pour le spectateur. Ses sujets féminins sont devenus si populaires que les Parisiens les ont surnommés Chérettes. Au total, Cheret a produit plus de 1 000 affiches, à commencer par sa publicité de 1867 pour la performance de Sarah Bernardt en tant que Princesse Désirée dans la comédie La Biche au Bois. Honorées en 1928 avec l'ouverture du musée Chéret à Nice, les affiches de Jules Chéret font partie des pièces les plus recherchées de la fin du XIXe siècle.

SENS DE L'ART
Pour plus de détails sur les différents types
des arts visuels et des beaux-arts, voir :
Signification/Définition de l'art.

CATÉGORIES ARTS VISUELS
Définitions, formes, styles, genres,
périodes, voir : Types d'art.

En 1880, la nouvelle forme d'art de l'affiche de Cheret attirait un certain nombre d'autres grands designers tels que Théophile Steinlen (1859-1923) responsable de l'affiche immortelle "Cabaret Du Chat Noir", le grand Toulouse-Lautrec (1864-1901) créateur de nombreux chefs-d'œuvre théâtraux, Pierre Bonnard (1867-1947), Edouard Vuillard (1868-1940). Le thème choisi portait sur la vie nocturne parisienne, notamment les théâtres, music-halls et cabarets de la ville. La popularité croissante de l'art de l'affiche a conduit à l'organisation d'une grande exposition en 1884. L'engouement pour l'affiche a culminé au cours de la décennie des années 1890. Les affichistes transformaient les rues parisiennes en galeries d'art colorées, atteignant ainsi le statut de culte et poussant les stars de théâtre à insister pour choisir leur propre artiste préféré pour faire l'affiche de leur spectacle. D'autres expositions d'affiches ont eu lieu, tandis que les éditeurs ont produit des exemplaires supplémentaires des meilleures affiches pour satisfaire les collectionneurs. Voir aussi : Peinture post-impressionniste (c.1880-1905).

Affiches célèbres de Toulouse-Lautrec
- Moulin Rouge - La Goulue (1891)
- Ambassadeurs - Aristide Bruant (1892)
- La Reine de joie (1892)
-Avril (Jane Avril) (1893)
- Mai Belfort (1895)
- Jane Avril (1899)

L'intérêt pour l'affiche s'est encore accru dans les années 1890 par l'émergence de Art Nouveau, un style d'art décoratif marqué par des formes fluides et curvilignes et s'inspirant des icônes byzantines, du romantisme préraphaélite et du mouvement de renouveau de l'art celtique. Largement tributaire de la forme, de la ligne et de la couleur, l'Art Nouveau s'est avéré le design d'affiche idéal et a dominé la scène parisienne des affiches jusqu'à la fin des années 1900. En chemin, il a attiré une foule d'artistes, dont : Alphonse Mucha (1860-1939), Georges de Feure, Eugène Grasset (1845-1917) et Albert Guillaume (1873-1942). L'un des premiers chefs-d'œuvre de l'Art nouveau fut l'affiche Sarah Bernhardt de 1894 d'Alphonse Mucha, le maître reconnu du style. En 1896, la plus grande et la plus importante exposition d'affiches à ce jour, a eu lieu à Reims, avec une exposition de 1700 affiches de toute l'Europe.

Affiches célèbres d'Alphonse Mucha
- Hippodrome, Léona Dare, 1883
- Arlette Dorgère, 1890
- Moulin Rouge, Paris, Cancan, 1890
-Yvette Guilbert, 1891
- L'Étendard Français, Bicyclettes, 1891
- Casino de Paris, Camille Stefani, 1891
- Folies Bergères, Fleur de Lotus, 1893
- Sarah Bernhardt dans le rôle de Gismonda, 1894
- Vin Mariani, 1894
- Apéritif Mugnier, Dijon, 1894
-Quinquina Dubonnet, 1895
- Bières de la Meuse, 1897
- Job Papiers à cigarettes, 1898
- Bénédictin, 1898
- Moët & Chandon, 1899

Remarque : le style Art Nouveau a eu une influence importante sur les différents mouvements de sécession en Allemagne et en Autriche, y compris le Sécession munichoise (1892), la Sécession de Berlin (1898) et la Sécession viennoise (1897).

Plusieurs événements ont entraîné un déclin de la scène parisienne de l'affiche au cours des années 1900. En 1900, Cheret abandonne l'art de l'affiche pour se consacrer à la peinture. En 1901, Toulouse Lautrec meurt. En 1904, Alphonse Mucha quitte Paris pour l'Amérique puis la Tchécoslovaquie. Et à partir de 1905, l'Art Nouveau perd peu à peu sa force créatrice. Puis, dans ce vide est entré un jeune artiste italien appelé Léonetto Cappiello (1875-1942), qui mettait l'accent sur la simplicité et l'impact. Il a apprécié le besoin impérieux de créer un impact visuel instantané, comme en témoignent ses conceptions d'affiches de 1906 pour Maurin Quina absinthe, et s'est ainsi forgé une réputation de père de la publicité moderne. Parallèlement, l'affiche française s'enrichit encore de l'arrivée à Paris de Sergueï Diaghilev (1872-1929) et le Ballets Russes, ainsi que le colorisme et l'imagerie des mouvements de peinture révolutionnaires connus sous le nom de fauvisme (1905-1906) et de cubisme (1908-12).

L'art de l'affiche en Europe (vers 1880-1910)

L'engouement pour les affiches s'est rapidement propagé à la plupart des grandes villes d'Europe. Des expositions d'affiches ont été organisées en Grande-Bretagne (1894) et en Italie (1894), en Allemagne (1896), en Suisse (1896) et en Russie (1897), et les styles nationaux se sont rapidement imposés : les affiches néerlandaises et suisses avaient tendance à être nettes, précises mais les œuvres allemandes sobres étaient directes mais tombaient dans le romantisme gothique médiéval. Les œuvres italiennes étaient typiquement audacieuses et mélodramatiques tandis que les affiches russes étaient tout à fait plus avant-gardistes.

Éloignez-vous de l'Art Nouveau

À partir de 1905, il y avait une tendance moderniste à l'échelle européenne pour s'éloigner de la décoration pointilleuse de l'Art Nouveau vers un style plus simple et plus fonctionnel. De plus en plus d'affichistes sont passés des formes curvilignes à l'imagerie rectiligne et géométrique, afin d'affiner le message publicitaire.

Au milieu des années 1890, la plupart des designers britanniques, y compris Aubrey Beardsley, Will Owne, Dudley Hardy et Walter Crane, avaient tendance à être fortement influencés par l'Art nouveau français. Deux des premiers à se libérer furent les "Frères de mendiant" James Pryde et William Nicholson, qui se sont concentrés sur des types de conception beaucoup plus simples. Parmi les autres post-artistes britanniques, dont certains se sont spécialisés dans la production d'œuvres pour le système ferroviaire du métro de Londres, citons Austin Cooper, Fred Taylor, Tom Purvis, Pat Keely et l'Américain McKnight Kauffer.

La conception des affiches allemandes a été fortement influencée par Ludwig Hohlwein. Bon à éliminer tous les graphiques non essentiels, il a été noté pour son utilisation de l'ombre contre la lumière, ainsi que ses représentations de personnes et d'animaux. Parmi les autres post-artistes allemands figuraient Paul Schuerich, H.R.Erdt et le grand abstractionniste Lucien Bernhard.

C'est Bernhard qui a initié l'Allemand Plakatstil, ou Style d'affiche. Ce style se caractérise par une extrême simplicité, représentée par des lignes épurées, un naturalisme minimal, des couleurs unies et une structure précise, comme en témoigne son Sachplakat Affiche (1906) pour les matchs de Preister. Cette Sachplakat (en anglais, "object poster") allait devenir un tout nouveau genre d'affiche publicitaire.

L'un des créateurs d'affiches autrichiens les plus connus était le viennois Liant Joseph, connu pour ses motifs de couleurs géométriques de type montage. D'autres incluent l'artiste abstrait viennois Sascha Maurer, dont les célèbres affiches de ski comprenaient également des éléments de réalisme, ainsi que l'Alfred Roller et Koloman Moser.

Positionnée au centre de l'Europe et parlant trois langues nationales, la Suisse a beaucoup absorbé de ses voisins la France, l'Allemagne et l'Italie. Les principaux designers suisses de l'Art nouveau inclus Théophile Steinlen (1859-1923) et Eugène Grasset (1845-1917), tous deux actifs d'abord en France, ainsi que Mangold, Emil Cardinaux, Baumberger, Stoecklin et Morach. Si l'art de l'affiche italienne est né de l'opéra, les affiches suisses dépendaient du statut du pays en tant que destination de ski.

En Italie, des affiches ont d'abord été développées pour promouvoir l'opéra, sous l'égide de l'artiste allemand Art Nouveau, Adolfo Hohenstein (1854-1928). Bien qu'influencé par le maître français Jules Cheret, Hohenstein est devenu connu pour ses combinaisons de couleurs somptueuses et son design dramatique - souvent exécutés dans des œuvres de taille monumentale - caractéristiques qui caractériseront bientôt le style national italien. Des exemples d'affiches de Hohenstein incluent ses créations pour : Tosca de Puccini (1896) et la dramatique Madame Butterfly (1904).

Un autre grand designer italien était le meilleur élève de Hohenstein Léopoldo Metlicovitz (1868-1944). Il était connu pour ses œuvres allégoriques, comme en témoigne son design primé pour l'Exposition internationale de 1906. Le meilleur élève de Metlicovitz était Marcello Dudovitch (1878-1962), qui - en partie sous l'influence de Franz Laskoff (1869-1918) - rationalise l'Art Nouveau (connu en Italie sous le nom de Stile Liberté) dans un style plus moderne. Parmi les autres affichistes italiens remarquables, citons: Giovanni Mataloni, Marcello Dudovich, Aleardo Villa, Leopoldo Metlicovitz, Achille Mauzan et Aleardo Terzi.

Enfin, il ne faut pas oublier l'inégalable Leonetto Cappiello (1875-1942) (voir ci-dessus), qui a été principalement actif à Paris et qui a finalement réalisé plus de 1 000 affiches au cours d'une carrière de 40 ans.

Les principaux affichistes américains étaient William Bradley et Edward Penfield. D'autres inclus, C.E. Millard, F.G. Cooper, C.B. Falls, H.M. Meyers, Harrison Fisher et Adolph Treidler. Edward Penfield, le pionnier de l'art de l'affiche en Amérique, était en fait plus célèbre pour ses illustrations et ses affiches publicitaires pour le Harper's New Monthly Magazine. Se faisant les dents sur des illustrations à l'encre et au lavis à l'aquarelle, Penfield a continué à produire un grand nombre de conceptions d'affiches d'art de haute qualité, remarquables pour leur style abstrait et leurs formes audacieusement simplifiées. Contrairement à l'artiste déjà établi Edward Penfield, William H. Bradley - connu sous le nom d'"American Beardsley" - a fait sa réputation grâce à la conception d'affiches. Célèbre pour produire Les jumeaux (1894), la première affiche américaine de l'Art nouveau, le style de Bradley mélange des éléments du mouvement Arts and Crafts, de l'imprimerie japonaise et de l'Art nouveau. Un autre Américain qui a contribué de manière significative à l'art de l'affiche et à l'illustration était Norman Rockwell. L'art de l'affiche avec un message social a ensuite été exploité par Ben Shahn et d'autres membres du mouvement du réalisme social (vers 1930-1945) en Amérique pendant la dépression.

L'art de l'affiche pendant l'entre-deux-guerres : l'Art déco

Après la Première Guerre mondiale, l'Art nouveau était considéré comme démodé et hors de propos par rapport au nouveau dieu moderniste de la science et du dynamisme de la Machine. Cette nouvelle réalité technologique était mieux représentée par les mouvements d'art moderne tels que le cubisme, le futurisme, l'expressionnisme et d'autres. La première floraison de ce nouveau style d'affiche était le soviétique Constructivisme mouvement, inspiré de l'avant-garde de Kasimir Malevitch Suprématisme mouvement, et dirigé par Vladimir Tatline, Alexander Rodchenko et El Lissitsky. Ironiquement, il a eu plus d'influence sur le design occidental, par son impact sur le Bauhaus et le De Stijl mouvement, que sur des affiches en URSS, qui sera bientôt obligé de s'adapter au réalisme socialiste.

En Italie, Marinetti Futurisme semblait être le style dominant jusqu'au début des années 1920, entre les mains des futuristes Nicolay Diulgheroff, Lucio Venna et Fortunato Depero, il est devenu trop agressif et a été remplacé par le style plus calme et plus nostalgique Novecento style. Les artistes associés à ce style comprenaient Campigli, Marcello Nizzoli et Mario Sironi, ainsi que Boccasile, Dudovich et Riccobaldi.

Plus important que le constructivisme, le futurisme ou Novecento était un nouveau style international connu sous le nom Art Déco. Présenté à l'Exposition "Arts Décoratifs" de 1925 à Paris, et exactement en phase avec les critères technologiques de puissance et de vitesse, l'Art Déco était marqué par des formes géométriques épurées, et des couleurs fortes, voire criardes. Le mouvement s'est inspiré de nombreuses sources, dont le cubisme, le futurisme, le plakatstil et même le constructivisme. Les exposants de la conception d'affiches Art Déco incluent le Français Adolphe Mouron Cassandre, connu pour ses affiches élégantes de paquebots, l'Allemand Ludwig Hohlwein et les designers suisses Otto Morach et Herbert Matter.

L'Art déco s'accordait parfaitement avec l'amour italien du dynamisme et du drame. Cappiello et Dudovich étaient tous deux les principaux représentants, tout comme Federico Seneca (1891-1976) et Severo Pozzati (1895-1983). Les progrès ont été encore stimulés par Fiat et Campari, les plus grands annonceurs du pays. Parmi l'équipe d'affichistes de Fiat se trouvaient Riccobaldi, Codognato, Dudovich, Metlicovitz, Sironi et le grand Giorgio De Chirico, tandis que Campari s'appuyait sur Hohenstein, Mauzan, Sacchetti, Laskoff, Nizzoli, Sinopico, Depero et Munari. D'autres directions ont été poursuivies par l'artiste du Bauhaus Xanti Schawinsky et Marcello Nizzoli.

REMARQUE : Au cours des années 30 et du début des années 40, les nazis ont pleinement utilisé l'art de l'affiche dans leurs campagnes antisémites vicieuses, une tactique illustrée par l'affichiste Hans Schweitzer (1901-80) (mieux connu sous le nom de Mjolnir). Un exemple tristement célèbre de l'art nazi de Schweitzer était l'affiche de 1940 faisant la promotion du film antisémite "Le juif éternel".

Dans les années qui ont suivi la Première Guerre mondiale, la Suisse a développé une nette avance dans le design graphique, basée sur sa maîtrise des principes techniques et créatifs du constructivisme, du mouvement néerlandais De Stijl dirigé par Theo van Doesburg (1883-1931) et de la Bauhaus Design School. . Une figure importante de la scène suisse de l'affiche était Ernst Keller, qui a enseigné à la Zurich Design School où il a formé le jeune groupe de designers qui inventera plus tard le célèbre Style typographique international. D'autres enseignants de premier plan comprenaient les artistes Jan Tschichold et Théo Ballmer. Parmi les autres facteurs clés qui ont contribué à l'excellence suisse dans ce domaine, citons une formidable industrie de l'imprimerie et une volonté de l'État et des autorités cantonales d'investir dans les ressources nécessaires.

L'affiche de l'objet (Sachplakat)

Introduit pour la première fois par Lucian Bernhard (1906) l'affiche d'objet (Sachplakat) le style de minimalisme a été porté à un nouveau niveau par les designers suisses. Les exemples incluent l'affiche sans texte d'Otto Baumberger de 1923 pour PKZ et l'affiche à boutons de Peter Birkhauser de 1934 également pour PKZ. Pendant ce temps, des affichistes suisses tels que Herbert Matter et alter Herdeg ont démontré leurs techniques avancées en matière de conception graphique et de photographie avec une série d'affiches de voyage suisses.

Affiche d'art après la seconde guerre mondiale

La disparition de l'objet Poster

Tandis que le Sachplakat était encore le style n ° 1 pour les affiches de produits suisses dans les années 1940, en grande partie grâce aux efforts des concepteurs-lithographes bâlois Stoecklin, Leupin, Birckhauser et Brun, les années 1950 ont vu le remplacement de l'impression lithographique par moins cher impression offset. D'autres changements étaient également inévitables. À la fin des années 40 et au début des années 50, les affiches de voyage ont été de plus en plus remplacées par des photographies. Heureusement, les graphistes suisses faisaient des progrès rapides dans d'autres domaines. En particulier, au cours de la décennie suivante, ils ont lancé un style uniforme et minimaliste connu sous le nom de Le style typographique international en raison de sa dépendance à l'égard d'éléments typographiques, tels que les grilles de mise en page, les polices de caractères sans empattement et la photographie en noir et blanc. Développé au École de design de Bâle sous Armin Hofmann et Emil Ruder, et au École de design de Zurich sous Joseph Muller-Brockmann, qui avait tous suivi une formation auprès de Keller à l'école de Zurich, le style était parfaitement adapté au marché mondial multilingue d'après-guerre et, dans les années 1970, il était devenu le plus grand style graphique au monde. Cependant, pour des raisons commerciales expliquées ci-après, son application dans le domaine de l'art de l'affiche était strictement limitée.

Baisse de la publicité par affiche

Après la Seconde Guerre mondiale, les affiches publicitaires perdirent partout en importance, le marché étant effectivement pris en charge par la photographie, la radio et plus tard la télévision. En outre, la lithographie à forte intensité de main-d'œuvre devenait également prohibitive, obligeant les annonceurs à adopter des méthodes moins chères mais moins colorées comme l'impression offset et la sérigraphie. Ainsi, dans les années 60, malgré les campagnes exceptionnelles des post-artistes Bernard Villemot et Raymond Savignac, l'affiche n'est plus qu'un genre mineur. Les concepteurs qui auraient pu auparavant être attirés par les affiches se dirigeaient maintenant vers l'illustration et d'autres travaux de conception graphique.

L'art de l'affiche dans les années 1960 et 1970

En Italie, une série d'images spectaculaires a été produite pour l'industrie cinématographique nationale, par Alfredo Capitani, Luigi Martinati, Anselmo Ballester et Ercole Brini. Armando Testa est un autre grand affichiste italien des années 1950/1960.

De plus, il y a eu une soudaine augmentation des affiches de rock psychédélique, créées par Wes Wilson. Ils sont apparus à la fin des années 1960, avec d'autres graphiques musicaux populaires comme l'affiche de Milton Glaser pour l'album "Greatest Hits" de Bob Dylan en 1967. Répandu à San Francisco et à New York, le mouvement des affiches musicales s'est étendu au marketing et aux points de vente avec des affiches d'album gratuites, ainsi que des affiches promotionnelles de concerts. L'engouement pour ce genre d'art graphique reflétait la demande d'affiches anciennes à Paris à la fin du XIXe siècle.

Remarque : une affiche emblématique datant des émeutes étudiantes de 1968 en Europe, et toujours populaire aujourd'hui, était l'image de style silhouette du révolutionnaire marxiste Che Guevara par l'artiste américain Jim Fitzpatrick.

"Affiches d'art" - Reproductions de tableaux célèbres

Si les affiches publicitaires originales ont perdu de leur attrait pour les entreprises commerciales, l' "art poster", reproduisant une œuvre d'art célèbre comme La Joconde, reste un article populaire pour les consommateurs - en particulier pendant les périodes de récession. Aujourd'hui, il est possible d'acheter une reproduction de presque n'importe quelle peinture majeure de n'importe quel peintre important de la Renaissance italienne à l'ère postmoderniste. Les éditeurs d'affiches en ligne stockent généralement une large sélection des œuvres les plus populaires.

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Chávez mène la lutte pour les droits des travailleurs agricoles

Les co-fondateurs de l'UFW, Dolores Huerta et Cesar Chavez, 1968.

Arthur Schatz/The LIFE Picture Collection via Getty Images

César Chávez et Dolores Huerta ont cofondé la National Farm Workers Association, qui deviendra plus tard United Farm Workers (UFW) en Californie pour lutter pour l'amélioration des conditions sociales et économiques. Chavez, qui est né dans une famille de travailleurs agricoles migrants américano-mexicains, avait vécu de première main les conditions exténuantes des travailleurs agricoles.

En janvier 1968, Ch&# xE1vez a prêté sa voix à une grève des travailleurs de la vigne, organisée par le Comité d'organisation des travailleurs agricoles (AWOC), une organisation syndicale à prédominance philippine.&# xA0Avec l'aide de Ch&# xE1vez&# x2019s et Huerta&# x2019s plaidoyer de solides compétences en négociation, ainsi que le travail acharné et persistant de l'organisateur philippino-américain, Larry Itliong, le syndicat a remporté plusieurs victoires pour les travailleurs lorsque les producteurs ont signé des contrats avec le syndicat.

« Nous sommes des hommes et des femmes qui ont beaucoup souffert et enduré beaucoup de choses et pas seulement à cause de notre pauvreté abjecte, mais parce que nous sommes restés pauvres », a écrit Ch&# xE1vez dans sa &# x201CLetter de Delano de 1969.” &# x201CLa couleur de nos peaux, les langues de nos origines culturelles et autochtones, le manque d'éducation formelle, l'exclusion du processus démocratique, le nombre de nos tués dans les guerres récentes—tous ces fardeaux génération après génération ont cherché à nous démoraliser, nous ne sommes pas des outils agricoles ou des esclaves loués, nous sommes des hommes.”

Quel serait le style des affiches recherchées dans les années 1500 - Histoire

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1850

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1940

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1980

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Concevoir

L'affiche a été l'une des premières formes de publicité et a commencé à se développer en tant que moyen de communication visuelle au début du XIXe siècle. Ils ont influencé le développement de la typographie car ils étaient destinés à être lus à distance et nécessitaient la production de caractères plus gros, généralement en bois plutôt qu'en métal. L'affiche s'est rapidement répandue dans le monde entier et est devenue un incontournable du commerce du design graphique. De nombreux artistes également, tels que Henry Toulouse-Latrec et Henry van de Velde, ont créé des affiches.

Ils ont été utilisés pour promouvoir divers partis politiques, recruter des soldats, annoncer des produits et diffuser des idées au grand public. Les artistes du style typographique international du design pensaient qu'il s'agissait de l'outil de communication le plus efficace et leurs contributions au domaine du design sont nées de l'effort de perfectionner l'affiche. Même avec la popularité d'Internet, des affiches sont toujours créées chaque jour pour toutes sortes de raisons.

Depuis plus de 50 ans, les collections d'histoire des forces armées collectionnent les affiches de recrutement. Le recrutement en tant qu'activité militaire est important pour comprendre qui sert en uniforme, tant en temps de guerre qu'en temps de paix, ainsi que les supports visuels utilisés pour promouvoir le service militaire. La collection contient des exemples de bordées de la première guerre civile, d'affiches de la Première Guerre mondiale, y compris les illustrations originales de l'Oncle Sam telles que dessinées par Montgomery Flagg et des affiches de la Seconde Guerre mondiale, qui montrent le recrutement d'hommes et de femmes pour tous les services, et des organisations auxiliaires. La collection contient principalement des affiches de recrutement de la guerre civile, de la guerre hispano-américaine, de la Première Guerre mondiale et de la Seconde Guerre mondiale pour l'armée, la marine et certains marins. Des matériaux de recrutement plus modernes sont également contenus dans les collections et couvrent un large éventail de slogans de recrutement de l'armée.

Les affiches de la Seconde Guerre mondiale ont été conçues pour inculquer aux gens une attitude positive, un sentiment de patriotisme et de confiance. Ils ont lié la guerre dans les tranchées à la guerre à la maison. D'un point de vue pratique, ils ont été utilisés pour encourager tous les Américains à participer à l'effort de guerre. Les affiches appelaient chaque homme, femme et enfant à endurer le sacrifice personnel et les ajustements domestiques pour faire avancer l'agenda national. Ils encourageaient le rationnement, la conservation et le sacrifice. De plus, les affiches ont été utilisées pour le recrutement, la productivité et la motivation ainsi que pour le financement de l'effort de guerre. Les conceptions graphiques austères et colorées ont suscité des émotions fortes. Les affiches jouaient sur les peurs, les frustrations et la foi dans les libertés qui subsistaient dans l'esprit des gens pendant la guerre.

Modèle d'affiche de recherche dans MS Word 2016

Voici un autre modèle d'affiche recherché coloré conçu par notre personnel à l'aide de MS Word 2016.

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L'art d'Hitler

Hitler avait une affinité pour le romantisme et la peinture du XIXe siècle et préférait les scènes de campagne paisibles. Sa collection privée comprend des œuvres de Cranach, Tintoretto et Bordone. Comme ses modèles Ludwig I. de Bavière et Frédéric le Grand, Hitler voulait gérer sa propre exposition d'art à la retraite, qui serait présentée dans la ville de Linz sur le Danube au "Führer Museum".

Comment Hitler et les nazis ont diffamé l'art

Architecture Tudor en Angleterre 1500-1575

L'une des transformations les plus surprenantes de l'histoire de l'architecture anglaise a eu lieu à l'époque des Tudor. Ce n'était cependant pas une transformation de style. Les bâtiments étaient encore en grande partie de forme gothique au moins pendant le premier demi-siècle de la période Tudor. Au lieu de cela, la transformation était un effort de construction sociale qui allait maintenant vers des bâtiments laïques plutôt qu'ecclésiastiques.

Il y a plusieurs raisons à ce changement. L'un est simple, il y avait beaucoup d'églises pour les besoins de la population d'Angleterre. Plus profondément, l'église n'était plus la force qu'elle avait été à l'époque médiévale. L'impopularité croissante de l'église, avec sa mondanité et sa richesse perçues, signifiait que ceux qui avaient de l'argent à dépenser le dépensaient maintenant pour eux-mêmes.

La dissolution des monastères sous Henri VIII signifiait qu'il y avait de vastes étendues de terres libérées pour l'exploitation par la classe de la noblesse nouvellement riche. De nouvelles fermes ont été construites sur d'anciennes terres monastiques et des maisons d'ouvriers pour les locataires qui travaillaient la terre.

Curieusement, les changements de style architectural ont entraîné le rétrécissement des bâtiments devenant plus intimes. Plutôt que le mouvement vers l'espace si évident à la fin de la période gothique, l'architecture Tudor s'est concentrée sur les détails. Les fenêtres et les portes étaient plus petites, mais plus richement décorées, plus complexes. L'arc élégamment pointu de la période gothique a cédé la place à l'arc Tudor aplati. Le traitement de fenêtre le plus frappant à émerger dans la période Tudor est l'oriel, une fenêtre en saillie à plusieurs côtés en porte-à-faux à partir d'un étage supérieur et soutenue par un support ou un encorbellement par le dessous.

Les cheminées et les foyers fermés sont devenus communs pour la première fois. En effet, la cheminée Tudor est l'un des aspects les plus marquants de cette période. L'une des raisons de l'utilisation accrue des cheminées était l'adoption généralisée du charbon comme combustible. Auparavant, la fumée de bois pouvait s'échapper de l'intérieur par un simple trou dans le toit. Maintenant, l'augmentation de la fumée du charbon a rendu nécessaires des formes évoluées de cheminées, de conduits de fumée et de cheminées pour évacuer la fumée de l'espace de vie. Les cheminées étaient souvent regroupées en groupes et les colonnes de cheminée individuelles étaient incurvées, tordues et décorées de motifs en damier de briques de différentes couleurs.

Et cela soulève une deuxième caractéristique notable de l'architecture Tudor, l'utilisation de la brique dans la construction. Provenant d'East Anglia, où elle avait été introduite des Pays-Bas à la fin de la période médiévale, la brique est devenue l'un des matériaux de construction les plus courants. Certaines briques étaient importées en Angleterre, ramenées dans des navires qui exportaient la laine anglaise vers le continent. D'autres ont été fabriqués dans des briqueteries établies en East Anglia par des immigrants néerlandais.

Cela peut sembler étrange au lecteur moderne, mais la brique était à l'origine un article de luxe. Seuls ceux qui se situent au sommet de l'éventail social et économique pouvaient se permettre de construire en brique. Le bâtiment en briques Tudor le plus remarquable est le palais de Hampton Court, mais une multitude de petits domaines et de maisons de campagne ont utilisé ce matériau de luxe nouvellement à la mode.

Dans plusieurs régions d'Angleterre, notamment dans le Cheshire, le Lancashire et le Warwickshire, les maisons en bois, généralement en chêne, sont plus nombreuses que la brique. Le bois a été utilisé pour créer un squelette qui a été rempli de briques ou de plâtre. Les briques étaient souvent posées selon un motif à chevrons, rendu possible parce qu'elles n'avaient aucune responsabilité structurelle, les poteaux en bois supportaient la tension et les briques servaient de remplissage décoratif. Une forme hybride a vu l'étage inférieur construit en pierre, avec du bois utilisé pour les étages supérieurs.

Là où les briques étaient trop chères, le plâtre était le remplissage de choix, ce qui a donné la petite maison Tudor "en noir et blanc" typique, en plâtre blanchi à la chaux entre des poutres en chêne noirci. Souvent, les étages supérieurs de ces maisons dépassaient les étages inférieurs, en particulier dans les villes, où l'espace au rez-de-chaussée était limité et le propriétaire de la maison pouvait être imposé en fonction de la façade sur rue.

Même dans les maisons en bois, cependant, les fenêtres et les portes sont similaires aux conceptions en pierre, avec de petits arcs coiffés de simples moulures équarries.

Les grandes maisons de la période Tudor présentaient des guérites fantaisistes. The idea was to create an impressive, awe-inspiring entrance. This was accomplished by entry through a broad, low arch flanked by tall octagonal towers decorated with ornate false battlements. Above the entry arch many houses prominently featured a family coat of arms.

The most obvious feature of interior decoration is the widespread use of oak panelling. This panelling often extends from floor to ceiling. The most common motif used for the panelling was the linen-fold, a raised carving imitating folds of cloth. The term "linen-fold" is a 19th century one at the time this pattern was termed "lignum undulatum", or "wavy woodwork".

In past eras, astrology was more deterministic. People hunted, planted and migrated with the stars. Living in rhythm with nature’s cycles helped civilizations survive .

For many centuries, astrology and astronomy were one and the same. Because human beings were at the mercy of nature, they viewed the heavens with fear, awe and even superstition. Weather was the work of nature’s gods. After all, a flood could wipe out the food supply just as easily as the right amount of rainfall could guarantee a bountiful harvest. By tracking the stars, they were able to plan and predict certain patterns.

Modern astrology, like humanity, has evolved. Over the centuries, we’ve developed expanded consciousness. Mathematical, scientific and technological advances have given us more control over our lives in the physical universe. As a result, astrology has become more of a tool for living. We no longer take a fear-based approach to it (well, we shouldn’t, anyway!). Astrology’s best use is as a method for planning, gaining more self-awareness and understanding relationships.

We love what astrologer Kevin Burk says in Astrology: Understanding the Birth Chart:

“Astrology is the study of cycles. By observing the cyclical movements of the planets, we are able to gain a greater understanding of the cycles and patterns in our own lives. Astrology can be a powerful tool for healing and transformation, and it can be a key that can unlock a greater spiritual connection to the universe. Although astrology is not fortune-telling, when skillfully applied, astrology can be an extremely effective predictive tool. On a personal level, astrology…can give us insight into our personal issues, our patterns, our fears, and our dreams…Astrology is a tool that can help us understand and unlock our highest potentials, and that can teach us how to live in harmony with the universe.”

Here’s a rough timeline of this ancient practice, which has existed for nearly as long as humanity.

30,000-10,000 B.C.

The roots of astrology begin with earliest civilization. Maps of the stars existed long before maps of the earth. Archaeologists have found cave paintings, mammoth tusks, and bones marked with lunar phases. Man has long coped with uncertainty and the change brought on by nature’s cycles by tracking the stars—the seven visible planets were our first GPS.

6,000 B.C.

The Sumerians in Mesopotamia note the movements of the planets and stars.

2,400-331 B.C.

The Babylonians (also known as the Chaldeans) continue what the Sumerians started, inventing the first astrological system over thousands of years. They created the zodiac wheel that we use today (with planets and houses) around 700 B.C. The oldest known horoscope chart is believed to date to 409 B.C.

331 B.C.-5th Century A.D.

Alexander the Great conquers Babylon/Chaldea and the Greeks eventually start making advances in astrology, along with developments in medicine, geometry, mathematics, and philosophy. The modern names for planets and zodiac signs come from Greek literature. In 140 A.D., Ptolemy publishes Tetrabiblos, one of the most revered astrology works ever written. Tétrabiblos contains core techniques of astrology used to this day, including planets, zodiac signs, houses, and aspects (or angles).

5th Century A.D.

The Roman Empire falls. Western astrology disappears for 500 years and the Arabs continue studying and developing Greek astrology.

Moyen Âge

Astrology flourishes and is an intrinsic part of culture, practiced by doctors, astronomers, and mathematicians. Advances in mathematics help astrologers develop more accurate and sophisticated charts than ever. Many esteemed European universities at this time, including Cambridge (1225-50), had astrology chairs, and royals had court astrologers. Many popes were pro-astrology. The monk and mathematics professor Placidus (1603-68) created the house division system used by astrologers today. When Copernicus advanced the theory that the Earth travels around the Sun, he dedicated his main work to the astrologer Pope Paul III. Belief in astrology began to decline as the church gained power, and it was seen as heresy and superstition during the Inquisition. Galileo himself was found guilty of heresy and had to renounce his astrological beliefs to save his life!

17th-18th Century: “The Age of Reason”

The Protestant reform movement, started in the mid-1500s, abetted astrology’s decline. Later, rationalism become the popular consensus during the Age of Enlightenment (1650-1780) in Western European cafes and salons, emphasizing reason, analysis, and individualism—a reaction to excessive superstition, authority, and control from institutions such as the Catholic church. Skepticism and science were seen as a way to reform society, and to bring back temperance and balance. Astrology was viewed as mere entertainment and not a valid science, and most astrologers worked under pseudonyms.

19th Century

Renewed interest in spirituality and mysticism in England invigorate astrology again in Europe. Psychologist Carl Jung (1875-1961) pioneers the use of astrology in analysis, and other developments in the field are made.

20th-21st Century

In 1920s, newspapers and magazines begin publishing the Sun-sign-based horoscopes that we still read today. Since they give only 12 predictions for the entire world’s population, they are seen more as entertainment. Later in the century, computers make it fast and easy to cast charts, replacing the need to do laborious charts by hand (though some stricter astrologers still prefer to do them that way).